Sobre gustos hay mucho escrito, pero poco editado.
Maullando desde 2008...
Somos el blog extremeño de entretenimiento, activo, más longevo, hasta la fecha: Con reseñas de cómics, libros, películas, series, gatos, y asuntos varios (relatos cortos y reflexiones). Con más de 4600 entradas publicadas, y 800 etiquetas de todo tipo. Bienvenid@ al Patio-Lavadero.
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Un cómic impactante que mezcla horror, decadencia y una atmósfera asfixiante que atrapa desde la primera página. En esta obra, cada viñeta transmite tensión, misterio y una crudeza visual que deja huella. Si te gustan las historias oscuras, perturbadoras y cargadas de simbolismo, este cómic puede convertirse en una lectura inolvidable.
En este video exploramos su trama, estilo artístico, personajes y los elementos que hacen de Zona de Putrefacción una propuesta tan inquietante como fascinante dentro del mundo del cómic independiente y de terror.
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Habitualmente, no
hablo de número sueltos de colecciones, pero desde hace mucho tiempo, tanto que
no lo recuerdo, estoy haciendo una excepción con “Saint Seiya. The Lost Canvas.
Hades Mithology”.
En esta ocasión, le toca el turno al
quinto tomo de la colección, que me lo compré el pasado febrero de 2026. Es una
colección bimestral, y el que os traigo hoy es el quinto (como os digo) de una
colección de doce tomos, que yo calculo que terminarán para finales de 2027.
Viene en rústica (tapa blanda, formato B6 y con un total de 400 páginas
aproximadamente).
Estos tomos fueron publicados
originalmente hace 15-16 años en Japón, y son pequeños integrales que albergan
tomos dobles, dos tankobon originales japoneses que irían desde el capítulo 70
al 87 de la colección original, y que vienen de la mano de la mangaka Shiori
Teshirogi, que partiendo de la idea original del Maestro Masami Kurumada, se
hizo cargo de guion, dibujo y realización.
Si le dedico estas reseñas a cada tomo,
es porque creo que lo merecen. 400 páginas por tomo dan para mucho en el
Universo de “Saint Seiya”.
En el tema narrativo, no sé si lo
conocéis… Supongo que sí, porque es posible que estéis aquí porque sois fans
del Universo de “Saint Seiya”, creado por Masami Kurumada hace 40 años.
“The Lost Canvas” se desarrolla 243 años
antes de la serie original que dio fama a Los Caballeros del Zodiaco. Estamos
en el S.XVIII, y ha estallado una guerra entre los dioses Atenea y Hades,
reencarnados en sendos humanos. El joven y frágil Alone, amante de la pintura,
se revela como el mismísimo Hades, amo del inframundo y los Infiernos. Y la
joven Sasha, como la diosa Atenea.
Junto a ellos, ya que los tres
conformaban un pequeño grupo de amigos, se encuentra Tenma, que a la postre
será el Caballero de Pegaso de esta época, y por su advocación a la diosa
Atenea, enemigo del otrora su amigo, Alone-Hades
En
este quinto tomo, la guerra ya está ciertamente avanzada, han caído algunos
Caballeros de Oro, que nos han dejado algunas heroicidades antológicas en los tomos
anteriores, pero también han caído en combate una parte importante de los
espectros de Hades.
Alone-Hades está liado con una
gigantesca pintura que está haciendo en el cielo. El chaval nos ha salido
artista barroco, y cuando complete su pintura, que se ha gastado una pasta en
pinceles y en oleos, el mundo se irá al carajo.
En esta ocasión, el protagonismo lo toma
el Caballero de Oro, El Cid de Capricornio, que posee en sus brazos la famosa
espada Excalibur, capaz de cortarlo todo. Su intención es liberar el alma
atrapada de Sísifo, Caballero de Oro de Sagitario, del Mundo de los Sueños,
pero hay cuatro espectros, poderosos como los mismos dioses, que le saldrán al
paso para impedirlo.
Por su parte, Tenma de Pegaso, Yato de
Unicornio, y Yuzuriha de Grulla también van a caer en las redes de estos dioses
que dominan el sueño, enemigos acérrimos del insomnio, mientras que la propia
diosa Atenea intentará tomar cartas en el asunto para nivelar la balanza a
favor de los Caballeros.
Una vez más, es un tomo al que
prácticamente no le falta acción de principio a fin. Donde parece que cada
Santo de Oro se empeña en protagonizar un acto heroico que acaba bastante mal
por el sacrificio realizado.
El tomo contiene alguna lámina en color,
donde El Cid de Capricornio es el protagonista. En las páginas finales tenemos
los diseños de la armadura de plata de Yuzuriha de Grulla, y la Surplice, o
armadura espectral, de Nasu, de la Estrella Celestial de la Investigación.
Como siempre, el dibujo de Teshirogi es
bastante espectacular, aunque algunas viñetas me han resultado pequeñas, y
otras muy recargadas, pero por regla general, es un arte que me gusta y que
disfruto mucho.
Más interesante las historias
protagonizadas por los Caballeros Dorados que por los Caballeros de Bronce, que
suelen convertirse, y este tomo es un ejemplo de ello, en meras comparsas o
actores secundarios en la Guerra Santa entre los dos dioses.
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En mi búsqueda de
cómics de terror manga, hace un par de meses llegué a “Maldiciones
Imborrables”. Un cómic publicado por la Editorial Ivrea en 2025, y que viene de
la mano de un mangaka veterano, que reconozco que no conocía, llamado Kazuichi
Hanawa.
Cuando vi la portada, me dije: este
cómic me va a gustar. Como soy muy gatuno, ya lo sabéis los pocos seguidores
del canal, la portada no necesitó mucho para convencerme. Una chica con patas
de gato en vez de manos, un gato pensativo encima de ella, y toda esa atmósfera
envuelta en un bosque tétrico, de colores cálidos…
Y, al darle la vuelta al cómic, por
detrás, un gatete acechante, en guardia, ante la visión de una serie de
espectros que flotan en una extraña procesión en el mismo bosque…
Claro que tenía que hacerme con este
cómic. Y, tras dos semanas con él, me he encontrado con un cómic que no me ha
defraudado absolutamente nada. Es, desde luego una inquietante antología de
relatos de terror, que rozan el surrealismo a ratos, y eso… Me gusta.
Publicado originalmente en Japón bajo el
título “Juso” en 2014, este volumen recopila relatos cortos que el autor,
Kazuichi Hanawa, fue publicando durante aproximadamente quince años en diversas
revistas japonesas.
A Hanawa, como os he dicho, no lo
conocía, y me he encontrado a un autor que se maneja entre lo grotesco, lo
inquietante y lo oscuro a partes iguales, y que, curiosamente, evoluciona tanto
en estilo como en tramas según vas leyendo.
De hecho, a mitad del cómic, me he
llegado a preguntar: Pero, ¿Este es el mismo tipo de los primeros relatos? Lo
es, y vaya que lo es. Se aleja del terror convencional, se mete en lo grotesco
como Pedro por su casa, con un detallismo increíble, en historias que a ratos
rozan lo absurdo, lo onírico, maldiciones todas ellas, donde los humanos se
enfrentan a la superstición, a las maldiciones de espíritus del más allá, a los
celos y a las envidias, donde lo espiritual se convierte en terrenal con una
facilidad pasmosa.
El folclore japonés, el budismo, la
violencia de ciertos rituales y el ocultismo, están muy presentes en el cómic.
“Maldiciones
Imborrables” tiene 320 páginas, viene en un formato A5, y es un manga seinen
(orientado a un público adulto), tiene un total de 33 relatos o historias
cortas, y un relato o narrativa creado especialmente para esta recopilación,
cuyo eje, es, precisamente, un gato.
De
hecho, en el final del cómic, os vais a encontrar que, a las historias
originales publicadas en Japón, se les ha añadido otras diez más. Todo un
detalle a tener en cuenta.
El
cómic, como os decía, huye del terror convencional de fantasmas y monstruos, y
se basa en algo más íntimo, más en relación con el alma humana: Las
maldiciones. Maldiciones que llegan a través de los celos, las envidias, el
resentimiento, el orgullo, los rencores, pecados que el ser humano refuerza
incluso con fuerzas sobrenaturales, y que acaban en el peor de los fatalismos.
No
se escapa nadie de las maldiciones, que acaban por sucumbir a los personajes
protagonistas, a veces, incluso, por generaciones, y sin piedad de ningún tipo.
Hay historias ciertamente perturbadoras, y otras bastante crueles, y
curiosamente, en algunas de ellas, los insectos toman un gran protagonismo, y
el terror a ellos.
¿Es un cómic que te vaya a dar miedo?
Desde luego que no. Y creo que ese no era el objetivo de Kazuichi Hanawa, pero
si te va a inquietar. Hanawa es buen conocedor de las maldiciones japonesas, de
los yokais y de las tradiciones, y en muchos relatos les da una vuelta de
tuerca. Aquí el terror surge de las emociones humanas, que provocan las
maldiciones. Creo que merece la pena su lectura. Y, el dibujo, detallista, que
trabaja hasta la saciedad la línea, escapa bastante de lo que vas a ver en
otros mangakas. El tipo, al parecer, va camino de los ochenta, y ese bagaje se
tiene que notar.
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Cuando vi la
portada del cómic que os traigo hoy, “La Invasión de los Hongos del Espacio”,
me llamaron de entrada dos cosas: Esa estética a manga de hace 50 años, y el
nombre de Marina Shirakawa, que no conocía, y que yo imaginé que sería de una
tipa perdida en un mar de mangakas setenteros, abriéndose paso en un mundillo
lleno de dibujantes varones…
Solo acerté en la estética setentera,
porque Marina Shirakawa resultó ser un japonés medio, con más patillas que
Curro Jiménez, que había adoptado ese nombre artístico por las sondas Mariner
de la Nasa.
Después, una vez adquirido, mis
sorpresas han ido en aumento, siempre para bien, porque aparte de descubrir a
un autor clásico manga (aún aprendo, a mi edad, que importante es no dejar de
aprender), me he encontrado con un cómic que mezcla el terror, la ciencia
ficción (tan en boga el tema ovni, a nivel mundial, en los sesenta, en los
setenta, que ocupaba hasta páginas en los llamados periódicos y medios serios),
y folklore japonés, a través de breves cuentos e historias, en viñetas. Un todo
en uno, que quita el hipo en su lectura, prácticamente desde el principio.
Originalmente publicada en Japón en
1976, “La Invasión de los Hongos del espacio”, este manga de 200 páginas (en
riguroso blanco y negro), de Marina Shirakawa llega por primera vez al público
español en una edición de Diábolo Ediciones, que me ha gustado mucho por la
presentación, y por sus extras finales, que son reveladores, siendo además el
primer manga publicado por Diábolo, editorial especializada en clásicos del
cómic y géneros como el terror y la ciencia ficción, algunos de ellos
comentados por nuestro blog y por el Canal de Youtube.
En
términos formales, es un manga que se inscribe dentro del género seinen,
dirigido originalmente a un público adulto, donde, además de la historia
principal, Shirakawa intercala fragmentos que funcionan casi como notas o
interludios culturales: textos que narran leyendas tradicionales japonesas
relacionadas con hongos o relatos sobre avistamientos de ovnis documentados,
estando muy presente el famoso ovni de Adamsky. Estas interrupciones breves
aumentan el contexto de la historia, enriquecen la lectura con elementos
folclóricos y mitológicas, curiosos, relacionados con el mundo de los yokais.
La
narrativa del cómic arranca de forma relativamente tranquila. Tenemos una breve
introducción sobre el tema ovni, y nuestro protagonista, Aoki, un estudiante, y
su profesor el señor Sada, quedan varados juntos en una remota zona montañosa
de Japón debido a un esguince que sufre el chaval. Este suceso les permitirá
ser testigos del castañazo que mete un platillo volante a una distancia
relativamente cercana a ellos.
Ellos enseguida dan aviso del accidente,
y como testigos del suceso, son recluidos por el gobierno y el típico
científico que quiere tapar todo el suceso.
Pero pronto Aoki y el profesor Sada
consiguen averiguar la verdad. El platillo, en realidad, era una especie de
laboratorio alienígena, en cuyo interior, había unas esporas espaciales, unos
hongos parasitarios, que acabaron con la vida de sus ocupantes, y que ahora
andan sueltos, transformando a todos los seres vivos en grotescos hongos,
completamente imparables, con lo que el final del planeta es transformarse
tarde o temprano en un vergel donde la naturaleza hará olvidar a los seres
humanos y su existencia, gracias a la invasión de los hongos del espacio.
La
verdad es que la reflexión que deja el cómic al final es bastante buena. ¿Tiene
la extinción humana un lado positivo, el planeta estaría mejor sin nosotros?
Se
nota que el manga es hijo de su tiempo: Shirakawa no solo era un fanático de
los fenómenos extraterrestres, sino que incluso llegó a fotografiar un posible
OVNI en 1974, imagen que figura en el prólogo de este cómic como prueba de su
obsesión personal por el tema. De hecho, la narrativa tiene mucho de La Guerra
de los Mundos y de Invasores de Marte, mezclado, como os decía con el folclore
japonés en torno a las setas y los hongos.
El
cómic tiene una parte final, extras, que se leen a la occidental, y que consta,
por un lado, de un ensayo del experto en fenómenos paranormales Takeo Udagawa,
que contextualiza la obra de Shirakawa dentro del movimiento ufológico japonés,
fenómeno mundial en los 60-70; por otro, un texto de Ryan Holmberg, historiador
del manga clásico, que repasa la carrera del autor y sitúa este título dentro
de la historia del cómic nipón, presentando otros cómics del autor, obsesionado
con todo lo paranormal. En definitiva: Un curioso e interesante cómic.
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Hace un tiempo,
en agosto de 2025, me hacía eco a través de una reseña, de un cómic que me
pareció una auténtica maravilla: “Okinawa”, de Susumu Higa, publicado en España
por Norma Editorial. Aquel cómic de 500 páginas, y con un dibujo que califiqué
como un tanto naif, fue mi primer contacto con un autor que no conocía, Higa,
de 73 años, y cuyo origen es la isla de Okinawa… Isla, por cierto, que tiene
cierto movimiento independentista desde hace unos años, respecto a Japón,
porque se consideran ninguneados por el Gobierno de Tokyo, entre otras cosas,
por permitir la presencia militar estadounidenses en su conjunto de islas…
Pero, volviendo al tema cómic, que es el
que me interesa… Me encuentro en enero de 2026 con la sorpresa de que Reservoir
Books publica un cómic, del mismísimo Susumu Higa, titulado “Okinawa, El Viento
Habla”, que es precisamente el que os presento en esta reseña. Y mi primera
duda fue si estábamos ante el mismo cómic que había leído seis meses antes, el
publicado por Norma, o este es otro… Intrigado, me lo he comprado, me lo he
leído, y, efectivamente, no es aquel, es otro…
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“Okinawa, El Viento Habla” es un cómic
que sigue la temática del cómic de Norma, el que se titula sencillamente
“Okinawa”, pero se centra específicamente en la batalla de Okinawa de 1945, y los
efectos inmediatos que tuvo en los isleños, que vieron como sufrían los abusos
sexuales, y de todo tipo, por parte de los soldados estadounidenses, pero
también por parte de su propio ejército, que les robaba comida, abusaba de
ellos, o directamente los mandaba a muertes garantizadas, desde echarlos de
refugios, hasta mandarlos a pequeñas e insignificantes islas con mosquitos de
la malaria.
Este cómic, no es tan amplio como el de
“Okinawa”, que recogía además historias de la postguerra, y profundizaba más en
el trato y la relación con los estadounidenses, algo que aquí apenas se va a
ver.
Igualmente, también es cierto, que aquí
no vas a ver grandes batallas, ni siquiera destaca por su acción, sino que Higa
se centra más en el sufrimiento del pueblo civil, harto de la guerra, que ve
como sus supuestos salvadores son tipos codiciosos, malvados y egoístas, que
hay que mantener también a raya en casi todas las ocasiones.
Resumiendo, ya que me he puesto a
comparar los dos cómics:
Okinawa
es una obra más completa y amplia sobre la isla y su devenir histórico,
con distintas historias y enfoques (batalla + consecuencias posteriores).
Okinawa, el viento
habla se centra más en relatos de la
batalla de Okinawa en sí y en contar esa experiencia desde múltiples voces,
todas ellas, surgidas del propio pueblo de Okinawa.
Susumu
Higa, que además se puso a publicar ya bastante mayorcete, parece querer
recuperar la memoria de su pueblo, de Okinawa, antes de que desaparezca. En
“Okinawa”, además, las tradiciones de las yutas, las sacerdotisas locales,
estaba muy presente, aquí no tanto… No es una memoria que recuerde mucho a los
héroes, que alguno hay, pero siempre ayudando al pueblo, no haciendo cargas
militares. Tampoco es una memoria que destile nostalgia, sino más bien una
memoria rota, dolorosa, no curada, incómoda, que presenta a Okinawa como un
territorio marginado, maltratado, a pesar de tener un pasado, una lengua y
cultura propia.
Algo que no noté leyendo “Okinawa”, pero
si en este cómic “Okinawa, El Viento habla”, es la puesta en escena de una
ruptura con Tokyo. El pueblo sufre los desmanes del Gobierno Central, que no
piensa en ellos, sino que los sacrifica, los manda a la ruina, los ejecuta y
los golpea, o los intenta matar de hambre, como si realmente no fuesen una
parte real del propio Imperio japonés, y acaso un territorio más conquistado.
Hay hambre, miedo, desesperación, manipulación en un cómic que es intenso de
principio a fin. Te pones a leerlo, y ya no vas a parar.
En definitiva: Ambos cómics son
complementarios. Este es más intenso en cuanto a lo que sufrió el pueblo en
Okinawa. No se va a salir de los meses centrales del año 1945, “Okinawa” es más
completo en su conjunto, al incluir la postguerra y la relación con los
yanquis. Y ambos, aparte de ser terriblemente didácticos, son de lo más
recomendables. Si te interesa el tema de la Segunda Guerra Mundial, en el
escenario del Pacífico, sus lecturas son imprescindibles. Ambos, “Okinawa” y
“Okinawa, El Viento Habla”, tienen un precio que ronda los 23 euros, pero
merecen muchísimo la pena.
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“Kimba. El emperador de la jungla” es un cómic del
gran maestro, Osamu Tezuka, el conocido como Dios del manga, que fue publicado
originalmente por entregas entre los números de noviembre de 1950 y abril de
1954 en la revista Manga Shonen.
Es un cómic muy curioso dentro de la trayectoria de
Tezuka. Lo comenzó a escribir, dibujar, con apenas 22 años. Hacia apenas cinco
años que Japón se había rendido, y había concluido la Segunda Guerra Mundial, y
ahora el foco gravitaba a otras localizaciones, países y continentes.
Uno de esos focos era, sin duda, África, la gran
desconocida para muchos, que despertaba tímidamente, en muchos de sus
territorios, pidiendo la descolonización y la independencia de los países
europeos, algo que vamos a ver a lo largo de las tres siguientes décadas, hasta
bien entrados los años setenta.
Y algo que se verá reflejado en esta obra, en mayor
o menos medida, junto a referencias a nachis huidos de la guerra, la creación
de carne sintética, los derechos de los animales, o la crueldad y avaricia
extrema, y casi siempre sin sentido, de los seres humanos.
Una curiosidad de este cómic es que se rehizo (se
redibujó) prácticamente su mitad, la mitad del cómic, quince años después de su
publicación original, para la Colección Obras Completas de manga de Osamu
Tezuka.
En años sesenta, concretamente en 1965, Mushi
Productions se ocuparía de la versión animada del cómic, que sería el primer
anime japonés en color, con un total de 52 episodios, y que resultó un éxito
mundial.
Pero, antes de llegar a ello, el equipo de
producción pidió a Tezuka los originales de la obra, para practicar el dibujo y
familiarizarse con el estilo, llevándose uno de los miembros del equipo los
originales de la obra a casa, donde el tipo falleció tras una intoxicación
etílica.
Cuando quisieron recuperar los originales, estos
habían desaparecido, por lo que Tezuka se vio obligado a redibujar, y en gran
parte a reinventar el cómic en su primera parte.
Por cierto, en el tercer volumen, colaboraban en
algunas viñetas un famoso dúo de dibujantes, que posteriormente se separarían,
Fujiko Fujio, los creadores de Doraemon (Fujiko), y Ninja Hattori (Fujio),
entre otros grandes clásicos manga.
El cómic,
originalmente, se tituló “Jungle Taitei”, pero en España se le tituló como
Kimba, aunque ese nombre no salga en todo el cómic, y el protagonista se llame,
en realidad, Leo. Ha sido reeditado en varias ocasiones en los últimos setenta
años, y yo he tenido la suerte de hacerme con la edición publicada por Planeta
Cómic en diciembre de 2025 forma parte de la colección “Biblioteca Osamu
Tezuka”, que, si me seguís, sabéis que atesoro desde hace unos años.
“Kimba” es un volumen único en tapa dura, de 519
páginas, con sentido de lectura oriental y reproducción fiel al original en
blanco y negro.
Como os decía al principio, es un cómic curioso que
toca varios palos, desde la aventura más ingenua, hasta la relación de los
humanos con los animales, pero también la búsqueda de la Paz, la ecología, la
tecnología y la creación de nuevos inventos (como el helicóptero), las
relaciones sociales, y el desconocimiento generalizado de África como
continente.
La narrativa de “Kimba. El emperador de la jungla”
gira en torno a un león blanco, Leo/Kimba, desde su nacimiento hasta su muerte.
Su padre, Panja, es el rey indiscutible de la
sabana, pero un día cae ante los cazadores humanos. Su madre capturada y
embarazada de él, es enviada a un zoológico, pero en el trayecto en el barco,
Leo nace, y, tras una tormenta, es empujado al mar por su madre, que quiere que
vuelva a África y reclame el trono de su padre, siendo ayudado por los animales
que se cruzan en su camino, que lo reconocen como un rey soberano
Una vez en tierra, es acogido por humanos,
concretamente por un chico japonés, y aprende a hablar, la cultura y tecnología
humana, a la que teme y admira por igual, para, más tarde, regresar a África
decidido a reclamar su trono, rehacer su vida, y usar todo lo aprendido en
beneficio de su reino, y de los animales, aunque su aventura no acabará aquí,
ya que uno de sus hijos vivirá una aventura parecida a la suya, y los humanos
volverán por sus fueros, buscando las preciadas piedras lunares, involucrándose
por última vez en una aventura con ellos.
Como curiosidad destacable de este cómic, aparte
del debate ecologista y los temas que toca como os he comentado, una de las más
conocidas es la supuesta relación entre Kimba y El Rey León de
Disney (1994), y que yo mismo he podido comprobar que tiene elementos casi
idénticos, como la usurpación al trono de Leo, algunos personajes secundarios,
y escenas muy parecidas. En 1994, cinco años después del fallecimiento de
Tezuka, más de 1,100 artistas japoneses firmaron una petición solicitando
reconocimiento por parte de Disney, pero Disney guardó silencio hasta hoy.
En definitiva: Otra de esas joyitas que nos trae
Planeta Cómic en una edición fantástica. Pensad que estáis ante un cómic que
está camino de cumplir los ochenta años, y, que, sin embargo, en algunos
aspectos sigue siendo de rabiosa actualidad. No solo es una fabula de animales
que hablan, es una auténtica aventura de principio a fin. Muy recomendable.
Cuarto tomo de “Saint Seiya. The Lost Canvas. Hades
Mythology”, publicación bimensual de doce tomos, que viene de la mano de Shiori
Teshirogi, basado en la idea original, el Universo creado por Masami Kurumada,
y que se ha publicado en este finiquitado mes de noviembre de 2025 en España
por parte de Ivrea en un tomo doble, que recopila dos cómics japoneses en uno,
y que viene, aparte de la historia narrada, algunos extras en forma de láminas
a color o el diseño de las armaduras de algunos de los personajes en las
páginas finales. A pesar de que no suelo comentar los tomos sueltos de las
colecciones, sino las colecciones enteras, con “Saint Seiya” hago una excepción
desde que se ha comenzado a publicar en España, porque creo que esta edición
merece la pena, porque creo que cada tomo da para una reseña, y porque también
creo que debe llegar a todos los fans que quedan por ahí de “Saint Seiya”, ya
que la colección, como he comentado en reseñas anteriores, creo que merece
mucho la pena, por su calidad, por su entretenimiento, y sobre todo por
personajes tan interesantes como el que protagoniza este tomo: Manigoldo de
Cáncer...
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¿Te interesa el cómic "Neofausto"? Te paso enlace de compra al mejor precio (Amazon España). Pincha en la imagen superior, la de la portada... Te va a gustar, te lo garantizo.
No sabía mucho de “Neofausto”, aparte de que se la
considera una de las últimas obras, junto a la inconclusa “Fénix” (Hi no tori) de
Osamu Tezuka. Publicada originalmente en 1988, ha sido publicada en este 2025
que agoniza por Planeta Cómic, dentro de esta fantástica colección dedicada al
que se considera “Dios del Manga”.
De tapa dura, y 415 páginas, al leerlo pensaba
encontrarme con el “Fausto” de Goethe, y aunque no es precisamente el libro
clásico, hay que reconocerle a Tezuka la vuelta de hoja, de tuerca, a un
clásico desde lo más profundo, emocional y simbólico que Tezuka podía ser, y
más en esa última etapa de su vida, donde se volvió más reflexivo, más
pesimista tal vez, y donde repetía algunos temas como la preocupación por el
estado del país, por la sociedad japonesa (y en particular por la juventud de
los años setenta), por la continua presencia estadounidense en asuntos nipones,
y por la esencia del ser humano en una etapa donde el interés por los nuevos
avances científicos, como el ADN, están encima de la mesa junto al
existencialismo del ser humano, y esa pizca de Ciencia Ficción con la que
Tezuka jugueteaba siempre que podía.
Cuando
Tezuka publicó Neofausto, era ya un autor consagrado y conocido, creador,
pionero del manga moderno, estaba mejor que nunca y había dejado atrás algunos
periodos oscuros dentro de su producción artística, para centrarse en la
moralidad humana, entre otras cosas, en este “Neofausto”, que al igual que el
de Goethe, pacta con el diablo para obtener conocimiento y poder, a través de
una nueva juventud otorgada.
Aquí el diablo, Mephisto, es una diablesa que juega
con la vida del anciano profesor de universidad, Ichinoseki. Es 1970, y la
Universidad vive momentos tensos, en los que las huelgas y manifestaciones
juveniles son sofocadas por palos y represión. Protestan contra la Guerra de
Vietnam. Pero nuestro profesor parece vivir ajeno a todo ello. Él, todo un
experto en genética, que lleva décadas estudiando para desentrañar los secretos
del Universo, ve como su vida parece llegar a su fin y considera que ha
fracasado en sus objetivos.
Mephisto le ofrece una nueva vida, una segunda
juventud, a cambio de su alma, y el profesor Ichinoseki toma un rumbo diferente
al que había vivido, teniendo un nuevo enfoque en su vida: Dedicándose a los
negocios, enamorándose de una chica universitaria que participa en las
protestas (con un hermano policía que pronto sospecha de sus intenciones), y
viviendo situaciones comprometidas junto a Mephisto, que anda enamorada de él…
“Neofausto” plantea desde el principio una serie de
cuestiones éticas y filosóficas interesantes. La duda del profesor sobre si su
vida ha merecido la pena, su trabajo inconcluso… Chocan con las aspiraciones de
la juventud japonesa que protesta, y él (todo un científico) recurre a la
magia, lo esotérico, en forma de demonio sexy, para lograr sus objetivos por
encima de todo. La ambición científica, el conocimiento supremo, por encima de
cualquier moralidad.
¿Era el profesor Ichinoseki una proyección de Osamu
Tezuka?, ¿Se veía así el Maestro del Manga?, ¿Hubiera elegido vivir otra vida
si el diablo se la hubiese ofrecido? Vete a saber.
“Neofausto” abre muchas puertas, y cierra pocas,
algo muy característico de la obra de Tezuka, creando muchas subtramas. Su
primera parte cierra un poco en falso, y añade unas páginas finales, pocas, que
conforman la segunda parte, que, en mi opinión, sobraban y no le dan mucho
sentido al conjunto final, pero que cierra la historia en negro, o más bien en
blanco, difuminándose poco a poco ante los ojos del lector.
En definitiva: Me ha parecido una obra muy
interesante, pero que se acaba perdiendo un poco. Interesante el Tezuka que no
se anda con remilgos, y que lo mismo muestra pechos y desnudos femeninos, que
relaciones, con total naturalidad. La crítica social es contundente, no se anda
por las ramas, y procura tocar algunas claves de la sociedad de entonces, como
antes os he comentado. Creo que merece la pena por todo ello.
