Sobre gustos hay mucho escrito, pero poco editado.
Maullando desde 2008...
Somos el blog extremeño de entretenimiento, activo, más longevo, hasta la fecha: Con reseñas de cómics, libros, películas, series, gatos, y asuntos varios (relatos cortos y reflexiones). Con más de 4600 entradas publicadas, y 800 etiquetas de todo tipo. Bienvenid@ al Patio-Lavadero.
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“España partida
en dos” (Planeta Cómic, 2026) es un cómic de tapa dura que me he comprado
recientemente (abril de 2026, me he comprado la segunda edición porque la
primera voló cuando el cómic salió en marzo), y me lo he leído en dos tardes y media.
Interesado, como siempre, por la
Historia de España, el cómic de tapa dura y 159 páginas me ha parecido una
lectura amena, aunque no me ha contado nada que no supiera, e incluso, se me ha
hecho un tanto corto. Está basado en un libro o ensayo del Historiador Julián
casanova (que no me he leído), y viene de la mano de Carles Esquembre en cuanto
a los dibujos y las ilustraciones, y Miguel Casanova en cuanto a la adaptación.
En riguroso blanco y negro, el cómic
explica brevemente los inicios de la Segunda República, para zambullirse de
lleno en la Guerra Civil a través de la conservación de una abuela anarquista
que vivió los acontecimientos, y su nieta, que grabadora en mano, la escucha y
dialoga con ella.
Como todo lo que es la Historia de
España, es un cómic recomendable, aunque a mi se me haya quedado corto (como
digo) en muchos aspectos. Por falta de tiempo, no he podido dedicarle una
reseña en el Canal de Youtube, pero no he querido dejarlo pasar por el blog,
comentado, aunque solo sea de una manera breve, para presentarlo, y que
tengáis, al menos, conocimiento del mismo.
Os dejo enlace de compra ahí arriba. Si
lo leéis y me queréis comentar cosas, sensaciones, opiniones, aquí estamos,
como siempre. Un enorme maullido.
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Deseando estaba
leerme este cómic, “Dune. La Casa Harkonnen, publicado por Norma
Editorial en este pasado abril 2026, que se presenta como una obra ambiciosa
dentro de la expansión contemporánea del universo de Dune, y que recoge
los doce tomos publicados originalmente en estados Unidos desde 2023 hasta este
2026 precisamente.
“Dune.
La Casa Harkonnen” es un cómic que, si eres fan de la saga, te va a encantar,
porque desgrana muchas historias, subtramas, de la historia principal, no solo
bajo el punto de vista de La Casa Harkonnen, como indica su título, sino
también desde el punto de vista de otras casas, algunas menores, pero con una
historia importante detrás.
No
es simplemente una adaptación al cómic, sino más bien un ejercicio narrativo
que intenta trasladar a viñetas la complejidad política, emocional y filosófica
de las precuelas literarias escritas por Brian Herbert y Kevin J. Anderson,
basadas a su vez en el legado de Frank Herbert, y te lo aseguro, puedes llegar
a perderte un poco hasta que te vs encontrando y enlazando un a Historia, como
os digo, compleja, pero fantástica al mismo tiempo.
En cuanto a las características de la
edición, estamos ante un pedazo de cómic, continuación del cómic “La Casa
Atreides”, que tenemos comentado tanto por el Canal como por el blog, allá por
abril de 2023. Este es cómic en formato cartoné (tapa dura), con unas
dimensiones estándar de álbum europeo (aprox. 16,5 x 24,9 cm) y un total de 328
páginas a color, que incluye unas láminas muy chulas con leyenda entre historia
e historia, para ir diferenciando los doce cómics sueltos originales, y unos
extras finales en forma de portadas y bocetos finales que te van a quitar el
hipo.
Narrativamente,
como os digo, La Casa Harkonnen funciona como la continuación directa de
La Casa Atreides, profundizando en los acontecimientos previos a la
novela original Dune. Sin embargo, el enfoque no es meramente
cronológico, sino temático, y aquí es donde te puedes llegar a perder un poco,
porque no solo nos centramos en los Harkonnen, sino que se despliegan múltiples
líneas argumentales, algunas con más interés que otras, pero que acaban
convergiendo en un retrato de todo lo que es el Universo Dune antes del primer
libro de Herbert.
Nos
encontramos con el ascenso y brutalidad de Glossu Rabban, la llamada “Bestia”,
cuyo gobierno en Arrakis y otros mundos se define por una violencia sistemática
que anticipa el dominio posterior de los Harkonnen. Este personaje no es solo
un villano caricaturesco, sino la encarnación de un sistema basado en el miedo
como herramienta de control.
Paralelamente,
asistimos al desarrollo de figuras clave como Gurney Halleck, junto a la
trágica historia de su hermana, su familia y la suya propia, Duncan Idaho y su
entrenamiento como espadachín en Ginaz, y Lady Jessica…
Uno
de los aspectos más interesantes —y quizá más inquietantes— es la presencia
constante de las Bene Gesserit, las llamadas brujas, que tienen un poder
increíble a la hora de ejercer la manipulación genética y psicológica a largo
plazo, infiltrándose de una manera u otra en las grandes casas, normalmente a
través de concubinas entrenadas durante décadas para ese fin.
Otra
línea argumental relevante es la de Rhombur Vernius y el planeta Ix, sometido
al yugo de los tleilaxu.
Se
explora la relación con la Casa Atreides, el tema de los refugiados, la
resistencia ante los invasores, que resulta vana, y el tema de la tecnología
prohibida y la ética de la creación artificial de seres. La opresión en Ix
añade una capa de desesperación y resistencia y a mi me ha parecido de los más
interesante.
Desde
un punto de vista estético, el trabajo de los artistas como Michael Shelfer,
que conozco del cómic “Long John Silver”, y del español Fran Galán, entre otros,
del que ya he comentado algunos trabajos suyos en el blog, como “Goya. Lo
sublime terrible”, o alguna historia corta suya en “Creepshow” contribuye
decisivamente a la atmósfera de cómic que se ha trabajado en distintos estilos,
y que busca un enfoque estilístico, visual diferente… que no te va a aburrir
para nada.
La
narrativa, debido a todas esas líneas argumentales, se me ha hecho densa. No es
un cómic de lectura ligera: exige atención y cierta familiaridad con el
universo de Dune. De hecho, uno de sus posibles puntos débiles es
precisamente, y posiblemente ese, que te puedes perder con extremad facilidad
en su lectura.
Los
lectores no iniciados pueden sentirse abrumados por la cantidad de nombres,
facciones y conceptos. Sin embargo, para los aficionados a Dune, descubrir
personajes, hechos, y encontrarse con gente que ya conocemos… Te resultar una
verdadera pasada.
En definitiva, podría decir precisamente
eso, a modo de resumen. Es un cómic muy visual, pero es un cómic que, si no
eres fan o seguidor de la saga, te podrá llegar a aburrir, y mucho, y no te vas
a enterar una ñorda de su narrativa. Ahora bien, si eres fanático de la
franquicia, de la saga, y conoces el tema… Este cómic, junto al resto de los
publicados por Norma en los últimos años… Es el tuyo. Además, no sé por qué,
pero creo que vamos a tener más cómics de “Dune” en los próximos años…
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Un cómic impactante que mezcla horror, decadencia y una atmósfera asfixiante que atrapa desde la primera página. En esta obra, cada viñeta transmite tensión, misterio y una crudeza visual que deja huella. Si te gustan las historias oscuras, perturbadoras y cargadas de simbolismo, este cómic puede convertirse en una lectura inolvidable.
En este video exploramos su trama, estilo artístico, personajes y los elementos que hacen de Zona de Putrefacción una propuesta tan inquietante como fascinante dentro del mundo del cómic independiente y de terror.
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Hace tres años,
en abril de 2023, comencé a comprar y a leer los cómics, “Saint Seiya. La
Odisea del Tiempo”, una colección de producción francesa, conformados por cinco
números, y que están siendo publicados en España por la Editorial Moztros.
Hoy os traigo la reseña del cuarto tomo
de la colección, titulado “Shiryu y la Furia del Dragón”, publicado el pasado
diciembre de 2025 en España, aunque yo no he podido leerlo, y disfrutarlo,
hasta hoy.
Comentaros
que este spin-off europeo, tuvo la bendición del mismísimo Masami Kurumada en
su día, y que viene de la mano de Jérome Alquié, dibujante francés, que, aparte
de esta serie, ha realizado en los últimos años un corto basado en la saga de
Hades (que podéis encontrar en Youtube, por cierto, y donde destaca un Shun
bebé con el pelo rubio), y el guionista Arnaud Collen, que demuestra una vez
más ser un gran conocedor de la serie, y que en estos cuatro tomos ha sabido
tapar, responder y resolver, algunas cuestiones sobre las sagas de Saint Seiya,
y dando protagonismo, no solo a los principales caballeros, sino también a los
secundarios de bronces.
Creo
firmemente, que esta “Odisea del Tiempo” (ya lo he comentado en anteriores
ocasiones, en las reseñas que le dediqué a los tres primeros tomos), es una
colección a tener muy en cuenta si eres fan de “Saint Seiya” porque te va a
sorprender desde el primer tomo.
En cuarto tomo, al igual que los
anteriores, nos vamos a encontrar un cómic de tapa dura, a todo color, de 56
páginas, una edición de gran tamaño (aprox. 19,5 x 28 cm), que, además de su
historia, aporta en sus páginas finales una lámina de Shiryu y el diseño de
seis armaduras, entre las que se encuentra la de Shaina de Ofiuco (yo la conocí
como Shaina de Cobra en su día, Jabu de Unicornio, y cuatro armaduras de las
Leptas, o guerreros de Chronos.
El cómic, al igual que los anteriores,
sigue la estética del cómic franco-belga, no es un manga convencional, y hay
que reconocerle a Jérome Alquié un dibujo espectacular, muy lineal, muy
detallado y detallista, siendo este tomo, visualmente, impresionante,
combinando el uso de viñetas de diferentes tamaños, algunas más pequeñas de lo
que mi vista alcanza a ver, pero desde luego… Fabulosas.
En
la narrativa, por si no conocéis estos cómics, os diré que estamos tras los
eventos del arco de Hades. Aunque Atenea ha triunfado, el coste ha sido caro,
muchos caballeros cayeron en combate y el equilibrio del mundo está roto. El
santuario está tocado, algo que va a aprovechar el Dios Chronos para construir
el llamado “Reloj del Apocalipsis”, un aparatejo con el que conseguiría dominar
todo el planeta, y capaz de alterar pasado, presente y futuro a su conveniencia.
Para completarlo necesita tres reliquias divinas: el tridente de Poseidón, la
espada de Hades y el cetro de Atenea.
Seiya
está fuera de combate, en estado vegetativo, aunque su espíritu está atado,
sostiene, la espada de Hades que las Leptas o Guerreros de Chronos ansían, y su
ausencia se nota en un grupo que necesita un liderazgo.
En
este cuarto tomo, el protagonismo recae en Shiryu, que consumido por la ira, la
desesperación y la aparente perdida de Seiya, deberá convocar su máximo poder
para enfrentarse a los guerreros de Chronos, proteger a Seiya y al santuario, e
intentar de paso que Seiya salga del estado en que se encuentra.
Estamos ante un tomo lleno de acción,
con un ritmo intenso, donde, aparte de Shiryu, algunos caballeros de bronce
secundarios, capitaneados por Jabu de Unicornio y Shaina de Ofiuco, tendrán
también su momento.
Lo mejor es sin duda el final del tomo,
que aparte de ser emocionante, le va a dar paso a un quinto tomo, que aún no
tengo, se supone que saldrá durante este 2026, y que me barrunto que será
espectacular.
Una historia, esta de “La Odisea del
Tiempo”, digna de la saga Saint Seiya. Yo os la recomiendo fehacientemente. Y recordad: Si los sueños se van, el cosmos te guiará.
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Es un verdadero
placer presentar, una vez más, un cómic bélico de Antonio Gil. No sé cuántas
reseñas le habré dedicado a los cómics de Antonio Gil, creo que alrededor de la
docena, quizás más… Vete a saber, perdí la cuenta, pero alguna vez he comentado
que nadie te dibuja la historia en cómic como Antonio Gil.
Dibuja aviones que quitan el hipo, y
además, es una enciclopedia viviente, algo que demuestra en cada cómic que
publica.
En esta ocasión, le ha llegado el turno
al cómic “Lydia Litvyak”, sexto tomo que nos trae Cartem Cómics, dentro de su
colección “Historias de la Guerra”, publicado en este pasado febrero de 2026, y
el tercero dentro de la colección del propio Antonio Gil.
Nuestro autor abrió la veda con los dos
primeros tomos, comentados por aquí (tanto por el blog como por el Canal), que
fueron los títulos “Richard Halsey Best”, centrado en la Guerra del Pacífico, y
“Hans-Joachim Marseille. La Estrella de África”, donde nos desplazamos al
frente del norte de África. En esta ocasión le ha tocado el turno a una piloto
soviética de la Segunda Guerra Mundial: Lydia Litvyak
La colección, ya aprovecho para decirlo,
es una verdadera gozada para aquellos, que, como a mí, nos encanta el cómic
bélico. Hay que agradecerle a Cartem Cómics que nos traiga cómics como estos,
donde se recuperan episodios, personajes y acontecimientos olvidados de la
historia bélica. Yo, personalmente, los disfruto mucho, porque te crees que
sabes todo sobre la Segunda Guerra Mundial, y estos cómics son bofetadas de realidad,
que recuperan una memoria que no debería perderse.
El cómic es un tomo autoconclusivo, como
el resto de la colección, con un formato de álbum europeo, cartoné (tapa dura),
con 56 páginas a color, donde te vas a encontrar una cuidada edición, con un
dibujo espectacular y con extra histórico final, que es una verdadera
maravilla: Por un lado, notas relacionadas con nuestra protagonista, la lista
de victorias aéreas de Lydia Litvyak, y sus condecoraciones, y un dibujo de
ella misma y su avión.
Y
por otro lado, un dosier histórico complementario, que viene de la mano, en
esta ocasión, del Doctor en Antropología e Historiador Aeronáutico, Carlos
Lázaro Ávila, que aparte de la rigurosa documentación, aporta una serie de
fotografías relacionadas con la protagonista y el contexto histórico donde nos
movemos.
En
la narrativa, vamos a conocer a Lydia Litvyak —conocida como la “Rosa Blanca de
Stalingrado”—, conocida de esta manera porque supuestamente llevaba una rosa
blanca, en otras versiones, un lirio blanco, dibujado en el fuselaje de su
avión.
La
vida de Lydia tuvo mucho de película, de folletín y de propaganda soviética, y
la historia juega con estos elementos.
Pierre,
un periodista/escritor que investiga su vida, acaba dando con una anciana rusa,
que, desde su retiro suizo, entre montañas, le corrige en los aspectos que él
está equivocado respecto a la vida de la piloto soviética de la Segunda Guerra
Mundial. Él ha caído en sus publicaciones, en tópicos y medias verdades, y la
abuela le cuenta la historia de Lydia, y como aquella joven veinteañera se hizo
un hueco en un mundo dominado por los hombres, para primero aprender a volar, y
posteriormente a combatir sobre el cielo ruso plagado de cazas y bombarderos
alemanes.
La
abuela va derrumbando mitos ante el escrito sobre la piloto, y no solo se mueve
en el terreno bélico, también en el sentimental, a través de los recuerdos de
aquella época. Vamos a conocer a otras pilotos de cazas soviéticos, y el
escenario principal se mueve en torno a Stalingrado, en lo más crudo de la
encarnizada lucha entre alemanes y soviéticos, donde morían tanto en tierra
como en el aire.
Por eso, os digo que tuvo una vida de
película. Vemos su pasión por volar, la llegada del amor en el propio frente de
guerra, la pérdida, el estrés emocional y la madurez de un personaje que acabó
encontrando la muerte tempranamente, dándose por desaparecida en combate, lo
cual llegó a crear nuevos mitos (en algunos de ellos, incluso como traidora a
la madre patria), aunque sus restos fueron encontrados a finales de los setenta,
restituyendo su historia y su memoria.
Se le atribuyeron siete derribos en
menos de un año, y su historia, que yo no conocía, me ha servido mucho para
interesarme más por el papel que tuvieron las mujeres como pilotos en el bando
soviético durante la Segunda Guerra Mundial. Ya conocía algunas historias, pero
no ésta.
En
definitiva: Yo tengo debilidad por los cómics bélicos de Antonio Gil, y solo
puedo recomendarlo fehacientemente. Su dibujo, su historia, su enfoque, y hasta
su final un tanto ambiguo, me han parecido fantástico. El remate del dosier
histórico es igualmente fabuloso. Tenéis que leerlo, este y todos los de la
colección. No defraudan, y encima son rabiosamente didácticos. ¿Se puede pedir
más? A por ellos.
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En mi búsqueda
constante por cómics de terror, y en esta ocasión, manga, me he encontrado con
el cómic “Betwixt: una antología de manga de terror”, publicado por Distrito
Manga este marzo de 2026, aunque fue publicado originalmente hace ya tres años.
El
dibujo de su portada fue lo que me llamó la atención, ya que me recordó
poderosamente a mi admirado Junji Ito, y de hecho, es un dibujo de Junji Ito,
el gran maestro mangaka del terror, que aparte de esta ilustración, se hace
cargo del inquietante prólogo interior en un cómic peculiar, particular, que se
presenta como una obra singular que yo he disfrutado de principio a fin.
La
idea de hacer una antología de manga de terror no es nueva, pero lo interesante
de esta edición de tapa dura, es que trae a seis artistas, ilustradores,
guionistas y dibujantes dentro de este género del terror, para mi poco
conocidos, tres de ellos estadounidenses y tres de ellos japoneses.
El
cómic, si te lo lees por el lado de los estadounidenses, sigue el formato de
lectura occidental, y si te lo lees desde el lado de los autores japoneses,
pues se lee a la oriental, como solemos leer los mangas de toda la vida. Y, por
supuesto, en las dos versiones, japonesa y gringa, te vas a encontrar el
prólogo de Junji Ito, ¿A qué es inquietante?
Más
que de terror, aquí hablamos de terror psicológico, para ser más precisos. La
obra presenta seis historias autoconclusivas, muy diferentes entre sí en
estilos, maneras de abordar la temática, y que te van a dejar distintas
reflexiones, de eso no me cabe duda.
El término que da título al cómic,
“Betwixt”, que según nos declara Junji Ito, es bastante obsoleto, daría lugar a
una declaración de intenciones por su significado, que viene a ser: “entre” o
“en medio de”.
Se
busca una conexión a través de las historias entre dos lugares, dos mundos, que
giraría entre lo real y lo normal, por decirlo de alguna manera, y lo extraño,
lo paranormal, que se cuela o se cose con hechos, personales o realidades.
Las
historias tienden puentes entre esas realidades, o abren puertas entre ellas, y
el terror va más allá de la presencia de monstruos, para centrarse en lo
inquietante… Esa es la palabra que ya he comentado anteriormente, inquietante…
Esa fusión de autores, gringos y
japoneses, también actúa como nexo de unión ante el género. El cómic reúne a ocho
autores de Japón y Estados Unidos, así pues tenemos a Ryo Hanada (mangaka
conocida por su “Devils Line”, cómic con el que ha tirado años), Aki Shimizu
(mangaka que ha hecho hasta videojuegos, muy activa ella en el mundo del manga),
Shima Shinya (que tiene trabajos dentro del Mundo Star Wars), Becky Cloonan (que
la conozco por cómics como Creepshow, que hemos comentado por aquí, y que ha
trabajado bastante para DC Comics en obras como Wonder Woman, Gotham Academy o
Batgirls, por citaros algunas), Michael W. Conrad (que lleva a las espaldas
muchos trabajos también para DC Comics, Superman, Wonder Woman… entre otros),
la americana Sloane Leong (que para mí es una auténtica desconocida, y que ha
hecho más bien ilustraciones para cuentos), y Leslie Hung y Huahua Zhu.
Estas dos últimas, para mi también son
un auténtico misterio… Si, lo sé, os habéis dado cuenta. Salvo el amigo Michael
W. Conrad, todas son autoras de cómic, y casi podría haber sido una antología
femenina del cómic de terror, lo cual hubiera estado muy bien, y hubiese sido
interesante.
Y como pasa en estos casos, cada una de
las historias tiene su interés, su carácter, y es posible que no te gusten
todas las historias… es posible, no. Seguramente no te gustarán todas, algunas
más que otras, pero esto entra dentro de la normalidad en este tipo de
publicaciones.
El gancho quizás sea Junji Ito, pero yo
tengo que reconocer que he pasado una tarde entretenida leyendo sus 224 páginas
de rabioso blanco y negro. En la variedad está el gusto, y sus seis historias
no se pueden negar que sean variadas, en dibujo, guiones y terrores
impactantes.
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Era mediados de los noventa, hace
treinta años, y yo estudiaba Historia del Arte en Cáceres. No recuerdo bien si
fue para subir nota en la asignatura de “Arte Contemporáneo”, o por cualquier
otra vaina… El caso es que me vi en la tesitura de hacer, de entregar un
trabajo sobre un expresionista alemán del que apenas se sabía nada, casi nada,
y cuyos cuadros me habían encantado por su colorido, sus formas angulosas… Esas
mujeres gitanas en pelotas en escenarios selváticos, un arte que evocaba el
primitivismo…
El
tipo, resumiendo, se llamaba Otto Mueller, y algunos de sus cuadros
fotocopiados, decoraron mis carpetas y mis paredes durante aquellos finales de
los noventa. El trabajo, tras investigar en doscientas enciclopedias, libros de
arte y rebuscar por todas partes, no llegó a dos folios y medio escritos… No
había mucha información sobre aquel enigmático pintor que se había subido, al
parecer, un tanto tarde a las vanguardias expresionistas alemanas, en una
segunda y tardía oleada, cuando ya muchos estaban de vuelta y bajándose del
carro… Un tipo solitario, que no llamaba la atención, y al que no le dedicarían
en el futuro muchas referencias, ese era Otto Mueller.
Así
que, cuando hace un par de meses, me encontré con este cómic, “Dos Mujeres
Desnudas”, obra del autor francés Luz (seudónimo de Rénald Luzier), publicado
en España en 2026 por la editorial Reservoir Books, dentro de su colección de
novela gráfica contemporánea, y leí de qué iba el cómic… Casi me da un patatús.
Un cómic protagonizado por un cuadro, nada más y nada menos, que de aquel
enigmático y desconocido pintor alemán… No podía dejarlo pasar… Tenía que
leerlo.
“Dos Mujeres
Desnudas” es un volumen único, de tapa dura, cuyas páginas no vienen numeradas,
pero que tiene alrededor de las 192 páginas, a todo color.
Su edición francesa
se publicó hace un par de años, en 2024, y al parecer, ha recibido importantes premios
en Francia, incluyendo el prestigioso Fauve d’Or en el Festival de Angoulême.
Y, en cuanto a la
trama… La trama es bastante original, al principio no la entendía bien… Pero es
la historia del cuadro que da título al cómic, desde el punto de vista… Desde
la visión… De propio cuadro, tal cual.
El
propio cuadro es el protagonista del cómic, y a la vez, es el testigo de lo que
sucede en gran parte del S. XX en la convulsa Alemania, en un primer momento, y
posteriormente, debido a las exposiciones pictóricas, recorre parte del mundo.
La historia comienza
en 1919, con un fundido en blanco, y un diálogo, estamos en un bosque cercano a
Berlín. Y, tras varias páginas, como si fuese un nacimiento, comenzamos a
vislumbrar a algunas personas. Otto Mueller pinta a dos mujeres desnudas en un
entorno natural, en compañía de su muer, y de un mirón.
El cuadro va viendo,
desde el estudio de Otto, su vida, su relación con su mujer, que acabará
dejándolo, aunque conservará una fuerte amistad con él aun después de la
ruptura matrimonial.
Conoce los convulsos
años veinte, y los últimos años de vida de Otto antes de fallecer por una
infección pulmonar, que rápidamente pasa a ser un artista casi olvidado, o un
tanto considerado de segunda división.
Llega un nuevo
propietario, un judío que colecciona arte, un padre de familia, y el cuadro
parece una grabadora que va registrando todo lo que sucede en su entorno,
incluyendo la llegada del Nazismo, que inicia una persecución sin igua contra
el arte moderno, calificándolo de “degenerado”.
El cuadro de Mueller, por su estilo
expresionista y por el origen del artista, entra en esa categoría. En este
momento, la obra deja de ser simplemente un objeto estético para convertirse en
un elemento político, casi de protesta. Y vemos cómo el arte puede ser
perseguido no por lo que es, sino por lo que representa.
Uno
de los momentos de más tensión de la narrativa, aparte de que el cuadro está a
punto de caramelo de ser quemado, es todo el proceso de expolio de las familias
judías. El cuadro es expuesto, junto a otros muchos, en exposiciones
organizadas por los nazis, que a pesar de todo, le sacan rédito al arte
requisado, a través de subastas y ventas.
A pesar de todo, el cuadro sobrevive al
nazismo, a la Segunda Guerra Mundial, y vuelve con el tiempo a sus legítimos
propietarios, los que sobrevivieron, ya octogenarios.
El
final es muy chulo, con un guiño al propio cuadro y a su historia. En las
páginas finales del cómic, tenemos un interesante epílogo en relación a la
creación del cómic, y es que el autor, Luz, realizó una intensa investigación
sobre el cuadro, Otto Mueller, el contexto histórico… Se documentó bien. Y
también tenemos unas breves biografías, relacionadas con personajes que
aparecen en el cómic, y relacionados, en definitiva, con el propio cuadro.
Yo no conocía a Luz, el
autor, hasta este cómic. Pero, al parecer, es conocido por su trayectoria como
dibujante en el ámbito del periodismo gráfico (especialmente en el semanario
satírico Charlie Hebdo), donde se salvó del atentado contra ellos en 2015, por
la polémica que tuvieron con la figura del profeta Mahoma. Y, tengo que deciros
que, sinceramente, el dibujo no me ha llegado a convencer del todo, pero la
historia me ha parecido una auténtica maravilla.
En definitiva: Me ha gustado mucho, a
pesar de que el dibujo no es de mi estilo… La historia es una maravilla, y
recordar a Otto Mueller, me ha sacado una sonrisa respecto a aquella anécdota
que os comentaba al principio. Un gran artista en mi opinión, injustamente
olvidado, cuya memoria he recuperado gracias a este cómic. “Dos Mujeres
desnudas” hace uno de los recorridos más originales que te puedas encontrar a
lo largo del S.XX, a través del arte, a través de un cuadro. Su lectura es más
que recomendable.
