Frente de Leningrado (Cartem Cómics, 2025) Paco Asenjo

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A pesar de que “Frente de Leningrado” se publicó en junio de este 2025, me ha costado horrores hacerme con el cómic, y, de hecho, no lo he conseguido hasta hace unas pocas semanas.

Paco Asenjo, su autor, que se encarga tanto del dibujo como del guion, es un viejo conocido de estos lares, amigo al que le hemos dedicado algunas otras reseñas como las dos dedicadas a su obra “Infierno Azul”, que comparten con “Frente de Leningrado” la temática, como es la presencia y actuación de soldados españoles luchando en el Frente Oriental durante la Segunda Guerra Mundial, encuadrados en el ejército alemán.

Publicado por Cartem Cómics, en tapa dura, y con 132 páginas, este cómic, como los anteriores de nuestro autor, huye de ideologías que puedan provocar suspicacias en algunos lectores. Asenjo se centra en el rigor histórico a través de los testimonios recogidos por los últimos supervivientes del conflicto, narrando con una fidelidad extrema los hechos, que, además, se apoyan en fotografías de nuestros protagonistas, lo cual refuerza en mi opinión, la veracidad de lo narrado en el cómic…

Si en “Infierno Azul” se nos mostró la crudeza del invierno ruso, aquí el frío vuelve a ser uno de los protagonistas, en un episodio que yo desconocía completamente (a pesar de que muchas veces presumo, malamente, de saber mucho sobre la Segunda Guerra Mundial). Cómics como este me bajan al suelo, y me enseñan datos, hechos, que me ponen en mi sitio. Aun aprendo, afortunadamente.

En “Frente de Leningrado” nos trasladamos la defensa de los Altos de Sinyavino durante el invierno de 1942–43, concretamente diciembre y enero. En diciembre de 1942 la División Azul recibió la orden de abandonar el Frente del Vóljov para participar supuestamente en el asalto a la ciudad de Leningrado. Un asalto decisivo, prácticamente suicida, que se va a topar con la más cruda realidad como es la contraofensiva soviética compuesta por efectivos que los superan en número, en hombres, en artillería, y que va a suponer una resistencia a la desesperada por parte de los españoles que perderán al 95% de los efectivos, y cuya lucha, a falta de munición, se centrará en sus compases finales en cargas con bayoneta.

De los 550 hombres que conformaban el II Batallón 269, sobrevivieron 30. Completamente aislados en los Altos de Sinyavino, abandonados a su suerte por los alemanes; Los continuos ataques en masa de los soviéticos, la escasez de munición, el frío extremo con temperaturas de -45º grados y las bajas continuas, harán que solo ocho hombres defiendan la posición hasta su retirada a un puesto de socorro alemán después de casi dos meses de luchas diarias.

“Frente de Leningrado” es un cómic, que, a pesar de no ser una continuación de los dos tomos de “Infierno Azul” (2023), casi podría considerarse como la parte de un díptico que nos faltaba para completar el puzle. Tiene un enfoque documental y didáctico muy bueno, un dibujo muy reconocible, con un buen trazo, y un gran uso del color que refuerza esa visión del invierno crudo que me mezcla con los combates, la guerra.

En cuanto a la narración, Asenjo huye de las idealizaciones, te muestra los hechos tal y como se lo narraron los testigos, y no cae en subtramas ni cosas parecidas. No cae en sentimentalismos, no justifica (y hace muy bien), y el realismo se palpa, se siente.

En definitiva: Como gran fan de todo lo que esté relacionado con la Segunda Guerra Mundial, y del trabajo de Paco Asenjo, no lo voy a negar, “Frente de Leningrado” me ha parecido un cómic muy interesante y didáctico, en el que no vas a encontrar propagandas ni políticas de ningún tipo, solo Historia. Tiene un prólogo de Carlos Caballero Jurado que nos pone en antecedentes antes de la lectura, y la narrativa fluye con sus dosis de acción, la presentación de personajes, los hechos… Es un cómic para aquellos que disfruten de las narrativas de la Segunda Guerra Mundial, como es mi caso, que explora una temática a través del cómic, un tanto inhóspita aun, y que estoy convencido de que se puede explorar aún más. Y encima con una edición por parte de Cartem Cómics, muy buena, muy cuidada. En definitiva, pues… Muy recomendable.

Terrifier (2016)

Llego a “Terrifier”, película estadounidense de terror/slasher de 2016, con casi diez años de retraso, lo sé, pero no me había llamado la atención hasta ahora la franquicia, y habéis sido unos pocos los que me habéis pedido que reaccionase a alguna de las películas que componen la saga de “Art the Clown”, que viene dirigida por Damien Leone, que igualmente fue guionista y coproductor de la película, y que, como suelo decir mucho en estos casos, estoy convencido de que repartía también los cafés por el set de rodaje. Curiosamente, uno de sus productores principales, Philip Falcone, también tiene una breve intervención en la película. Yo me lo guiso, yo me lo como.

Con un presupuesto escueto, que rondó entre los 35000-55000 dólares, según las fuentes que consultes, y con el actor David Howard Thornton haciendo de payaso mudo, inmortal y amante del gore, “Terrifier” no es una gran película dentro del género, pero os tengo que reconocer que yo la he disfrutado como un enano dentro de su cutrez y estilo ochentero, con efectos de a todo 100, gore de sierras y objetos punzantes, y tetas que no vienen al caso, pero que siempre suelen aparecer en este tipo de producciones…

Los tipos recaudaron 422 mil dólares, lo cual no está mal para lo que gastaron en el bazar de la esquina en disfraces y atrezzo.

Prácticamente, desde el minuto uno, “Terrifier” parece una película que hayan rodado unos colegas en un par de fines de semana. Este tipo de cine de terror hecho con cuatro duros, es mi debilidad, y a pesar de que repite hasta la saciedad elementos del género, y que es predecible como ella sola, este payaso me ha hecho pasar un buen rato, y ya os adelanto que tengo curiosidad por ver las siguientes entregas de la franquicia, que sé que ya es millonaria.

Pero, ¿Qué nos vamos a encontrar en la trama, en la narrativa de “Terrifier”? En un principio nos encontramos una entrevista en un televisor del año de la castaña a la única superviviente de un ataque protagonizado por el payaso Art que acabó hasta con el apuntador en Halloween. La tipa tiene la cara demacrada y la entrevistadora parece tomarse las cosas a cachondeo, algo que pagará caro.

Posteriormente, tenemos a dos amigas que regresan de fiesta y que coinciden con Art en una pizzeria. Una de ellas se cachondea de Art y se hace fotos con él.

Al salir de allí las chicas, Art comienza por quitarse de encima a los pizzeros, y posteriormente va a por las chicas, Tara y Dawn, que no tienen nada que hacer contra él. De hecho, Art va acabando con todo bicho viviente que se le cruza de las maneras más originales posibles, menos con un gato (que, por cierto, se merece un Oscar por su breve pero intensa interpretación. Scorsese se llama el gato). Los efectos cutres que anteriormente comentada se hacen muy presentes en estas escenas de maquillaje gore, sangre del bazar de la esquina y escenarios con poca luz.

El propio Art parece quitarse de en medio cuando es rodeado por la policía y se vuela la tarra, aunque lo veremos despertarse en la morgue y acabar fácilmente con el tipo que le iba a hacer la autopsia…

Poco original, pero efectiva narrativa con un metraje justo de una hora y veinte, que como tarjeta de presentación puede convencerte, aunque Art the Clown en realidad tenía dos cortos propios, dirigidos por Damien Leone, titulados “El Noveno Círculo” (2008) y “Terrifier” (2011), por lo que el andamiaje ya lo traía de atrás en el tema de presentar a un nuevo icono pop de terror.

El guion se pierde por momentos (en ocasiones es inevitable el corta y pega), las actuaciones rozan lo teatral y tengo que reconocer que he soltado alguna carcajada, pero las escenas están bien rodadas en su conjunto.

En definitiva: Primer contacto que tengo con la saga, y todo lo que os he dicho anteriormente se puede resumir en que me he entretenido. Me gusta su metraje, la estética del payaso y ahora tengo curiosidad por ver la segunda parte del payaso torturador. Cinematográficamente es bastante cagada, pero ese rollo de slasher ochentero me mola, y estas son las películas que acaban siendo de culto con los años. No preguntéis por qué, pero es así.

Payasos, gore, sierras y tetas. Con estas cuatro palabras se puede resumir. De nota le voy a dar un 5 raspadete, y a por la segunda en los próximos días.

Hell Hole (2024)

 

      De vez en cuando, sin comerlo ni beberlo, llego hasta una de esas películas de bajo presupuesto, como “Hell Hole”, y a pesar de sus palpables limitaciones, resulta que llego a disfrutar.

        Entre este tipo de película, el género de terror suele destacar con criaturas raras, argumentos que rozan lo absurdo e intervenciones, y diálogos, que no llegan a ninguna parte.

        “Hell Hole” tiene un metraje de casi una hora y media, donde la verborrea sin demasiado sentido ocupa un poco más de una hora de su narrativa, y la monstruosa criatura parasitaria a la que se enfrentan nuestros protagonistas, aparece poco y regular en un vano intento de usar una CGI más o menos decente, que se queda en eso… Un intento.

        En esta ocasión no vas a dar botes en el sofá por culpa del estruendo de un violín, o por una subida de decibelios espontánea, o por un terror que se esconde en la oscuridad de la noche. No. Nuestra criatura es un pulpo atávico, terrestre y ciclope, que se te mete como el virus de la gripe en el cuerpo, y solo se va para pillar otro cuerpo, dejando el anterior hecho un guiñapo, y el paracetamol no vale.

        La película viene dirigida por un colectivo familiar llamada “Adams Family”, formada por John Adams y Toby Poser, que además forman parte del reparto, llevan el tema de la producción, localización de exteriores y escenarios, y ponen los cafés en el set de rodaje, y que se han especializado en el cine independiente de terror y de escaso presupuesto, aunque en esta se han gastado un millón de dólares, siendo “Hell Hole” su tercera apuesta cinematográfica, tras “The Deeper You Dig” (2019), “Hellbender” (2021) y “Where the Devil Roams” (2023). A ambos, le acompañan sus dos hijas, una de ellas, Lulú Adams, se presenta en los créditos como guionista.

        Rodada en Serbia, “Hell Hole” nos lleva en su prólogo hasta un bosque serbio. El año es 1814, y se centra en unos soldados napoleónicos perdidos por Serbia. De hecho, debían estar bien perdidos por varios miles de kilómetros, porque Napoleón nunca tuvo tropas en Serbia, y desde luego, el uniforme que visten no es para de la época, pero nos da igual. Es referir, no criticar.

Están perdidos en medio de la nada, están cansados, y se encuentran con una buena señora que les regala un caballo que porta un extraño ser en su interior, que hace explotar al caballo y salta de hombre en hombre. Al parecer, el ser no invade cuerpos femeninos, solo masculinos, por lo que, si nuestros protagonistas le hubieran dicho al bicho que se autopercibían como mujeres, el bicho no hubiera podido hacer nada y la película hubiera concluido a los cinco minutos de rodaje.

El caso es que uno de estos soldados gabachos queda atrapado en el hielo, o en una vaina rara, no se nos explica cómo ni por qué, y a un metro de profundidad, con el bicho en su interior.

Estamos en 2024, y un equipo de fracking está en esa remota aérea de Serbia haciendo un trabajito cuando descubren dicha vaina, con el soldado francés dentro y su parasito ancestral, que más pronto que tarde comienza a saltar de hombre en hombre, acabando poco a poco con todo el equipo masculino de excavación de la manera más gore posible.

Y, de manera paralela, somos testigos de interminables charlas entre unos y otros, con unos efectos un tanto cutres en forma de tentáculos y unas armas de atrezzo del copón, poco curradas.

        En definitiva: “Hell Hole” es deudora de la mítica “la Cosa” (1982), aunque no le llega a los tobillos. La narrativa se mueve en continuos altibajos, con toques teatrales en ocasiones, y con un humor que se podría haber explotado más, y mejor, nunca mejor dicho.

Tiene elementos interesantes: El tema de despertar a un ser ancestral, atávico, dormido, o que inverna, y que despiertan por error de ese “Hoyo Infernal” desatando el caos, el horror, el terror… El propio ser, parasitario, como un Alien clásico, nos lleva al “Body Horror”, al gore más pastelero, de mermeladas. Otro punto es que está rodada en inglés, con algunas palabrejas en francés…

A mi me ha entretenido, no os lo voy a negar. No es para tirar cohetes en la plaza del pueblo, pero me habrá pillado con el día tonto, y le voy a cascar un 5 de nota.

Mi amigo Kim Jong Un (Reservoir Books, 2025) Keum Suk Gendry Kim

 
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         A pesar de que Keum Suk Gendry-Kim es una reconocida autora surcoreana de cómics, esta es la primera vez que me leo algo de ella. Y no es un hecho del que me sienta especialmente orgulloso, para nada, porque siempre he tenido la tentación de comprar y leer otras obras suyas, como “Hierba” y “La espera”, y si tenía alguna duda sobre si leer su obra o no, con “Mi Amigo Kim Jong-Un”, publicado por Reservoir Books este difunto octubre de 2025, ya se me despejaron. Ahora me siento hasta mal, porque debería haberme leído sus obras anteriores, aunque lo arreglaré en los próximos meses.

        “Mi Amigo Kim Jong-Un” es un cómic de tapa dura, de 288 páginas, que me ha sorprendido en varios sentidos. Mi primer pensamiento fue que me iba a enfrentar a un cómic biográfico típico del género, centrado en el personaje y poco más, pero lo que me he encontrado ha sido un viaje, un poco puzle, a través de las experiencias de la propia autora, entrevistas y relatos, que se tejen con un hilo fino con los paisajes coreanos, la historia del país de los últimos ochenta años, y todo con un barniz documental que logra engancharte, que es lo más importante…

        Antes os he comentado que me ha parecido un poco puzle, y quizás esa sea la palabra para describir un cómic que tiene muchas piezas, que parecen en muchos casos inconexas, pero que la autora logra encajar perfectamente, y te das cuenta según avanzas en la lectura.

        Quizás esa sea la mejor manera de entender el todo, pequeñas piezas, ahora de la vida de Kim Jong-Un, su historia y la historia de Corea del Norte, ahora de la propia Keum Suk Gendry-Kim, su vida personal, su día a día en una isla cercana y fronteriza, la isla de Ganghwa, donde la actividad militar está en pleno auge.

        De esa actividad militar, surge nuestro relato en torno a Kim Jong-Un: Sus estudios en el extranjero, concretamente en Suiza, entrevistas con personas que lo conocieron de primera mano, su relación con su padre y con el resto de la familia, sus purgas que se llevaron por delante a la mitad de la familia, y sus periodos de tensión con el vecino del sur, igual que sus momentos de paz y cordialidad, y para ir cosiendo y enlazando, aparte de las experiencias de la propia autora, tenemos el paisaje coreano, y el drama de una nación ya dividida en dos, quizás para siempre.

        En el cómic se habla también mucho de la reunificación, pero igualmente se nos muestra lo diferentes que son los norcoreanos y los surcoreanos en prácticamente todo. Hay periodismo documental, con una veintena de referencias bibliográficas al final del tomo, aunque muchas no están disponibles en español. Hay mucha crítica social, política, que se remarca en los pensamientos de la autora, en las entrevistas cara a cara, y hay mucho bagaje emocional, que se ve en viñetas con un estilo que se mueve entre los grandes rostros de los personajes, a composiciones sencillas, no enmarcadas en viñetas, pero si en grandes fondos de colores, en composiciones en blanco y negro y en páginas donde el protagonismo es el silencio, el paisaje coreano (la frontera, las vallas de separación), la reflexión.

        Desde luego, no es una biografía al uso, pero eso no es óbice para disfrutar de otros enfoques que no suelen estar presentes en cómics biográficos. Procura huir de los estereotipos que tenemos del ciudadano norcoreano, pero fácilmente e inevitablemente, cae en la contradicción.

El norcoreano es un humano cualquiera, igual que el surcoreano, con sus virtudes y sus defectos.

Es afable, amable, hospitalario, pero también llora junto al Amado Líder, y no ve más allá del régimen en la mayoría de los casos, aunque son miles los que huyen a Corea del Sur, la mayoría de las veces, a través de la frontera china. Busca empatía, puntos de encuentro y desencuentro, aunque he echado de menos un poco más de contexto histórico en cuanto a la división de las dos Coreas. Da por hecho que el lector conoce todo, o gran parte de esos hechos, de ese contexto, y ahí alguno se puede perder.

En definitiva: “Mi Amigo Kim Jong-Un” no es una biografía al uso por lo anteriormente comentado, pero el conjunto de los diferentes elementos que componen el cómic, me ha parecido interesante. A pesar del tocho, es un cómic que te ventilas en 20-25 minutos. Es íntimo, creo que es sincero, y al no quedarse solo en la figura del dictador norcoreano, sino intentar ir un poco más allá, creo que es bastante completo dentro del enfoque que ofrece. Para mí, es muy recomendable. Me tendré que leer las anteriores obras de la autora. 

Cosecha Sangrienta (2025)

 

        La novela, escrita por Adam Cesare, se titula “Un payaso en el maizal”, y se publicó allá por 2023. Y, de hecho, la película se llama realmente así, “Un payaso en el Maizal”, pero como en España somos muy chulos, la hemos rebautizado como “Cosecha sangrienta”, y es una pena, primero por no respetar el título original, y segundo, porque el título original, ya de por sí mezcla dos elementos muy icónicos del género de terror de toda la vida: Maizales, como los de “Los Chicos del Maíz” o “Señales”, y payasos asesinos, cuyas referencias, comenzando por “It”, son múltiples en el cine de terror.

        “Cosecha Sangrienta” viene dirigida por Eli Craig, que nos trae este slasher curioso, donde a los elementos típicos de terror, como es el descuartizamiento de la típica pandilla de adolescentes en un ámbito rural, hay que añadir tensiones entre generaciones, entre jóvenes y viejunos boomers como yo, y con un payaso, que después resulta que son una docena, como el asesino malvado de los maizales, y una trama en la que al final, si hubieran aparecido Batman y Robin para enfrentarse al Joker y sus secuaces, yo no hubiera ni parpadeado…

        En la trama estamos en un pequeño pueblo rural llamado Kettle Springs. A dicho pueblo llegan Quinn Maybrook, y su padre, un médico viudo que viene a cubrir una vacante a tan pintoresco lugar. Ambos quieren empezar desde cero, ya que la madre de Quinn falleció de una sobredosis hace pocos meses.

        Quinn enseguida hace amigos en un pueblo que ha vivido siempre de una vieja fábrica, llamada Baypen, que siempre ha tenido a un payaso como mascota o imagen corporativa, y está en las últimas tras haber pasado ya los tiempos de bonanza.

        El lugar está dividido entre la nueva generación que se quiere largar del lugar en cuanto puedan, que se mueven por las redes sociales y son youtubers, y los viejunos que recuerdan con añoranza los viejos tiempos, y creen que todos los jóvenes son delincuentes peligrosos que no respetan al pueblo ni a sus tradiciones y que deben ser atados en corto y vigilados. La llegada de Quinn coincide con un punto álgido en esta guerra generacional entre los adultos y los jóvenes.

        La narrativa nos muestra al principio, en los noventa, una actuación del payaso asesino, Frendo, pero será en el presente cuando Frendo, que en realidad son una docena de payasos, vuelva a actuar asesinando a los jóvenes del pueblo, primero uno por uno, y posteriormente, atacando en manada durante una fiesta en la que está Quinn, desatando la locura gore con cortes, cuchilladas, flechazos y motosierras, aderezadas con pizcas de humor negro sobre todo al final, algo de crítica final, y unos malos al final que rodean a un Joker rural al que solo le falta Harley Queen con un sombrero de paja y encima de un tractor para rematar la historia.

        En definitiva: Con una hora y media de metraje, un millón de dólares de presupuesto y una recaudación de casi 14 millones de dólares a nivel mundial, “Cosecha Sangrienta” tiene todos los elementos del género que hacen este tipo de películas disfrutables, aunque sin grandes sustos, o con sustos que ya te ves venir. Es predecible, y si eres aficionado al género, te puede hacer pasar una tarde entretenida, a mi de hecho, me la ha hecho pasar.

        No deja de ser curiosa la trama entre generaciones, aunque me parecen demasiado increíble esos resentimientos y tanta tensión.

Como curiosidades, os comentaré la presencia de Will Sasso, eterno secundario con casi setenta películas a las espaldas, que aparece de secundario en las series “El jovencito Sheldon” y “El primer matrimonio de George y Mandy”, y Kevin Durand, otro actor veterano y versátil, que aquí no me ha convencido.

 “Cosecha Sangrienta” en España, se estrenó en el festival PUFA, Pucela Fantástica, y se alzó con el premio al Mejor Largometraje del festival en su edición de este 2025. Para mí, es más de lo mismo, y la olvidaré fácilmente. De nota, le daré su 5 correspondiente, y a otra cosa.

El Capitán Alatriste. Cómic Integral (Alfaguara, 2025)

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         Posiblemente, una de las mayores maravillas que he comprado este 2025 que agoniza, es el integral de lujo de “El Capitán Alatriste” publicado recientemente por Alfaguara, y que recoge los dos tomos adaptados hace ya unos años, que corresponderían a los libros “El Capitán Alatriste” y “Limpieza de Sangre” publicados por Pérez Reverte, y que se hace cargo de la supervisión de los cómics, adaptados por dos grandes del cómic español, Carlos Giménez (que lleva la batuta de la adaptación y el guion), y Joan Mundet, al que debemos un dibujo espectacular que recrea perfectamente la esencia de los libros, en un riguroso blanco y negro, y con todo el sabor, si se me permite decirlo así, de los cómics de aventuras de toda la vida, de capa y espada, en una edición de lujo: 384 páginas embutidas en tapa dura, con los cantos tintados en cobre, los estampados en oro, y con un papel del “güeno” (oiga).

        Todo un tochazo con el que me he tirado una semana de puro disfrute, y con unos extras finales, de esos que quitan el hipo, que incluye la creación del cómic, bocetos y láminas… Y un prólogo de Antonio Guiral.

        Curiosamente, de los ocho libros que componen las aventuras y desventuras de Iñigo Balboa y El Capitán Alatriste, solo me leí en su día los dos primeros, los que corresponden a la adaptación gráfica que conforman este integral.

        Y no sé si conocéis la historia, pero en la trama estamos a principios del S.XVII en Madrid. El imperio español está inmerso en luchas internas y externas, las calles de la capital son peligrosas, con tabernas de mala muerte, duelos, y poetas como Francisco de Quevedo, que, en un soneto, te pueden arruinar la vida.

        Alatriste es un veterano soldado, un soldado viejo de los Tercios de Flandes que ha regresado a España, y se ha hecho cargo del hijo de un compañero de armas fallecido. El chaval, Iñigo Balboa, es nuestro hilo narrativo.

        El Capitán, que es más un mote que un cargo militar, malvive a base de duelos, reyertas y encargos como soldado de fortuna. Está más tieso que la mojama, pero tiene honor, y un código ético férreo, que, a veces, le meterá en más entuertos que otra cosa en una España en decadencia, que además de atacada, se autofagocita sin escrúpulos.

        En el primer libro, cómic en esta ocasión, Alatriste recibe el encargo de acabar con dos misteriosos caballeros ingleses que se dirigen a Madrid. El plan es emboscarlos y acabar con ellos, pero a Alatriste le asaltan las dudas en el lance, y la decisión de no acabar el trabajo e incluso ayudar a los ingleses, le traerá consecuencias y enemigos peligrosos.

        El segundo libro gira en torno a la limpieza de sangre que debían demostrar muchos sospechosos, de ser de origen judío, ante la inquisición. Otro trabajo que acaba mal, hará que Iñigo Balboa acabe capturado y torturado por la Inquisición, mientras que Alatriste y Quevedo harán todo lo posible para que no acabe en la hoguera, y enlaza muy bien con el primer libro en ese peligroso Madrid, y Toledo en está ocasión también, de traicioneros callejones, tabernas, delincuentes y teatros y corrales de comedia donde se mezclaban todos los estamentos sociales al calor de una buena obra de teatro firmada por Lope de Vega… Aunque ni en el teatro está uno a salvo.

        En definitiva: Yo no puedo estar más encantado con este integral. La verdad es que es uno de esos cómics que como siempre suelo decir: Prefiero que lo comprobéis vosotros mismos, de primera mano, porque todo lo que yo os pueda decir, cualquier referencia que yo os pueda hacer… Siempre me va a dar la sensación de que me quedo corto y que no he sabido expresaros todo lo disfrutable que es este tocho repleto de aventuras, y acción, de principio a fin.

        El componente didáctico, ese que te pica a querer saber más, a buscar sobre el contexto histórico, los hechos, los personajes reales, también está presente, así que encima aprendes y despierta tu curiosidad. Que un cómic como este te empuje a buscar más datos, y a querer saber más sobre el periodo, ya dice bastante, ¿No creéis?