Comento el Quinto Tomo de SAINT SEIYA. THE LOST CANVAS (Ivrea, 2026)

 
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       Habitualmente, no hablo de número sueltos de colecciones, pero desde hace mucho tiempo, tanto que no lo recuerdo, estoy haciendo una excepción con “Saint Seiya. The Lost Canvas. Hades Mithology”.

        En esta ocasión, le toca el turno al quinto tomo de la colección, que me lo compré el pasado febrero de 2026. Es una colección bimestral, y el que os traigo hoy es el quinto (como os digo) de una colección de doce tomos, que yo calculo que terminarán para finales de 2027. Viene en rústica (tapa blanda, formato B6 y con un total de 400 páginas aproximadamente).

        Estos tomos fueron publicados originalmente hace 15-16 años en Japón, y son pequeños integrales que albergan tomos dobles, dos tankobon originales japoneses que irían desde el capítulo 70 al 87 de la colección original, y que vienen de la mano de la mangaka Shiori Teshirogi, que partiendo de la idea original del Maestro Masami Kurumada, se hizo cargo de guion, dibujo y realización.

        Si le dedico estas reseñas a cada tomo, es porque creo que lo merecen. 400 páginas por tomo dan para mucho en el Universo de “Saint Seiya”.

        En el tema narrativo, no sé si lo conocéis… Supongo que sí, porque es posible que estéis aquí porque sois fans del Universo de “Saint Seiya”, creado por Masami Kurumada hace 40 años.

        “The Lost Canvas” se desarrolla 243 años antes de la serie original que dio fama a Los Caballeros del Zodiaco. Estamos en el S.XVIII, y ha estallado una guerra entre los dioses Atenea y Hades, reencarnados en sendos humanos. El joven y frágil Alone, amante de la pintura, se revela como el mismísimo Hades, amo del inframundo y los Infiernos. Y la joven Sasha, como la diosa Atenea.

        Junto a ellos, ya que los tres conformaban un pequeño grupo de amigos, se encuentra Tenma, que a la postre será el Caballero de Pegaso de esta época, y por su advocación a la diosa Atenea, enemigo del otrora su amigo, Alone-Hades

En este quinto tomo, la guerra ya está ciertamente avanzada, han caído algunos Caballeros de Oro, que nos han dejado algunas heroicidades antológicas en los tomos anteriores, pero también han caído en combate una parte importante de los espectros de Hades.

 

        Alone-Hades está liado con una gigantesca pintura que está haciendo en el cielo. El chaval nos ha salido artista barroco, y cuando complete su pintura, que se ha gastado una pasta en pinceles y en oleos, el mundo se irá al carajo.

        En esta ocasión, el protagonismo lo toma el Caballero de Oro, El Cid de Capricornio, que posee en sus brazos la famosa espada Excalibur, capaz de cortarlo todo. Su intención es liberar el alma atrapada de Sísifo, Caballero de Oro de Sagitario, del Mundo de los Sueños, pero hay cuatro espectros, poderosos como los mismos dioses, que le saldrán al paso para impedirlo.

        Por su parte, Tenma de Pegaso, Yato de Unicornio, y Yuzuriha de Grulla también van a caer en las redes de estos dioses que dominan el sueño, enemigos acérrimos del insomnio, mientras que la propia diosa Atenea intentará tomar cartas en el asunto para nivelar la balanza a favor de los Caballeros.

        Una vez más, es un tomo al que prácticamente no le falta acción de principio a fin. Donde parece que cada Santo de Oro se empeña en protagonizar un acto heroico que acaba bastante mal por el sacrificio realizado.

        El tomo contiene alguna lámina en color, donde El Cid de Capricornio es el protagonista. En las páginas finales tenemos los diseños de la armadura de plata de Yuzuriha de Grulla, y la Surplice, o armadura espectral, de Nasu, de la Estrella Celestial de la Investigación.

        Como siempre, el dibujo de Teshirogi es bastante espectacular, aunque algunas viñetas me han resultado pequeñas, y otras muy recargadas, pero por regla general, es un arte que me gusta y que disfruto mucho.

        Más interesante las historias protagonizadas por los Caballeros Dorados que por los Caballeros de Bronce, que suelen convertirse, y este tomo es un ejemplo de ello, en meras comparsas o actores secundarios en la Guerra Santa entre los dos dioses.

Maldiciones Imborrables (Ivrea, 2025) Kazuichi Hanawa

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         En mi búsqueda de cómics de terror manga, hace un par de meses llegué a “Maldiciones Imborrables”. Un cómic publicado por la Editorial Ivrea en 2025, y que viene de la mano de un mangaka veterano, que reconozco que no conocía, llamado Kazuichi Hanawa.

        Cuando vi la portada, me dije: este cómic me va a gustar. Como soy muy gatuno, ya lo sabéis los pocos seguidores del canal, la portada no necesitó mucho para convencerme. Una chica con patas de gato en vez de manos, un gato pensativo encima de ella, y toda esa atmósfera envuelta en un bosque tétrico, de colores cálidos…

        Y, al darle la vuelta al cómic, por detrás, un gatete acechante, en guardia, ante la visión de una serie de espectros que flotan en una extraña procesión en el mismo bosque…

        Claro que tenía que hacerme con este cómic. Y, tras dos semanas con él, me he encontrado con un cómic que no me ha defraudado absolutamente nada. Es, desde luego una inquietante antología de relatos de terror, que rozan el surrealismo a ratos, y eso… Me gusta.

        Publicado originalmente en Japón bajo el título “Juso” en 2014, este volumen recopila relatos cortos que el autor, Kazuichi Hanawa, fue publicando durante aproximadamente quince años en diversas revistas japonesas.

        A Hanawa, como os he dicho, no lo conocía, y me he encontrado a un autor que se maneja entre lo grotesco, lo inquietante y lo oscuro a partes iguales, y que, curiosamente, evoluciona tanto en estilo como en tramas según vas leyendo.

        De hecho, a mitad del cómic, me he llegado a preguntar: Pero, ¿Este es el mismo tipo de los primeros relatos? Lo es, y vaya que lo es. Se aleja del terror convencional, se mete en lo grotesco como Pedro por su casa, con un detallismo increíble, en historias que a ratos rozan lo absurdo, lo onírico, maldiciones todas ellas, donde los humanos se enfrentan a la superstición, a las maldiciones de espíritus del más allá, a los celos y a las envidias, donde lo espiritual se convierte en terrenal con una facilidad pasmosa.

        El folclore japonés, el budismo, la violencia de ciertos rituales y el ocultismo, están muy presentes en el cómic.

“Maldiciones Imborrables” tiene 320 páginas, viene en un formato A5, y es un manga seinen (orientado a un público adulto), tiene un total de 33 relatos o historias cortas, y un relato o narrativa creado especialmente para esta recopilación, cuyo eje, es, precisamente, un gato.

De hecho, en el final del cómic, os vais a encontrar que, a las historias originales publicadas en Japón, se les ha añadido otras diez más. Todo un detalle a tener en cuenta.

El cómic, como os decía, huye del terror convencional de fantasmas y monstruos, y se basa en algo más íntimo, más en relación con el alma humana: Las maldiciones. Maldiciones que llegan a través de los celos, las envidias, el resentimiento, el orgullo, los rencores, pecados que el ser humano refuerza incluso con fuerzas sobrenaturales, y que acaban en el peor de los fatalismos.

No se escapa nadie de las maldiciones, que acaban por sucumbir a los personajes protagonistas, a veces, incluso, por generaciones, y sin piedad de ningún tipo. Hay historias ciertamente perturbadoras, y otras bastante crueles, y curiosamente, en algunas de ellas, los insectos toman un gran protagonismo, y el terror a ellos.

        ¿Es un cómic que te vaya a dar miedo? Desde luego que no. Y creo que ese no era el objetivo de Kazuichi Hanawa, pero si te va a inquietar. Hanawa es buen conocedor de las maldiciones japonesas, de los yokais y de las tradiciones, y en muchos relatos les da una vuelta de tuerca. Aquí el terror surge de las emociones humanas, que provocan las maldiciones. Creo que merece la pena su lectura. Y, el dibujo, detallista, que trabaja hasta la saciedad la línea, escapa bastante de lo que vas a ver en otros mangakas. El tipo, al parecer, va camino de los ochenta, y ese bagaje se tiene que notar.

Nuremberg (2025)

 

Hace unos meses, durante las primeras semanas de diciembre de 2025, vi “Nuremberg” en el cine, pero hasta que no me he hecho con material gráfico, no he querido hacerle la reseña a la película. Y es que se merece una reseña, aunque sea breve y humilde, como las que yo suelo hacer, y, desde luego, el visionado por parte del personal, ya que es una película francamente buena.

“Nuremberg” es una película que está basada en el libro “El Nazi y el psiquiatra” de Jack El-Hai, publicado (creo) allá por 2014, y que nos trae una historia basada en hechos reales, (como ya sabréis, sobre los Juicios de Nuremberg contra los jerarcas nazis después de la Segunda Guerra Mundial), y que se centra en las sesiones psiquiátricas que el médico militar estadounidense Douglas Kelley (interpretado por Rami Malek) mantuvo con Hermann Göring (interpretado por un Russell Crowe que se sale, que lo hace francamente bien), y otros jefazos nazis, durante los preparativos y el desarrollo de los juicios de Núremberg, que llevó a la horca a algunos, al suicidio a otros, como es el caso del propio Hermann Göring, y a la cadena perpetua a otros…

La película costó alrededor de los 10 millones de dólares, y logró una recaudación de 57 millones de dólares a nivel mundial, lo que viene a demostrar que el cine histórico, bien realizado, bien planteado, interesa al público, y da dinero. Apunten esto para futuras producciones.

¿De qué va la trama de “Nuremberg”? La película sigue a Douglas Kelley, oficial psiquiatra del Ejército de los Estados Unidos, enviado a las prisiones militares donde se alojan los principales líderes nazis a la espera de su juicio tras la Segunda Guerra Mundial. Su misión oficial es determinar la capacidad mental de los acusados para responder a las acusaciones: si están en condiciones de ser juzgados. La trama se ocupa en gran medida en la relación ambivalente y tensa entre Kelley y Hermann Göring.

Kelley llega a conocerlo bastante bien, o al menos, eso cree él. Toma notas para un futuro libro, le salva de un infarto, tiene conversaciones de todo tipo con el jerarca y llega a conocer a su familia. Acude a los juicios, pero de manera paralela, siente las tensiones que ha creado por parte de sus superiores militares, que creen que Kelley se está tomando demasiadas licencias en su trabajo.

De manera paralela, seguimos al juez estadounidense Robert Jackson (un Michael Shannon que también hace un buen papel), que mantendrá un pulso psicológico contra Göring en el juicio.

Como curiosidades, os puedo comentar que el director James Vanderbilt trabajó durante diez años para poner en pie la película; El libro que os citaba anteriormente, “El Nazi y el psiquiatra” recoge, al parecer, las investigaciones y sesiones que realizó el Dr. Douglas Kelley con los líderes nazis. El tipo, Kelley, aparte de ser licenciado del ejército, no tuvo éxito en la venta de su libro, y se desvivió con cianuro unos pocos años después, en 1954. De hecho, este es un dato que vamos a ver al final del metraje de dos horas y veinte de película.

Por otra parte, Russell Crowe se preparó a conciencia el papel, estudiando archivos reales de Göring. Y eso se nota. Crowe quizás no lo sepa, pero aquí ha hecho uno de los papeles de su vida. Se tiró meses analizando grabaciones, fotografías y testimonios históricos del jerarca nazi, intentando captar su tono de voz y la personalidad manipuladora del tipo.

        Los Juicios de Nuremberg no es un tema nuevo en el cine, (hay una miniserie del año 2000, y la película del 61, que yo recuerde), pero hay que dar siempre las gracias que se hagan este tipo de películas históricas.

        Funciona muy bien la ambientación, las interpretaciones son buenas, y la recreación creo que es uno de sus fuertes. En contra, quizás, que esté demasiado centrada en la relación de los dos protagonistas, y que no se abra más el enfoque a una perspectiva más generalizada. Y, también añadiría que yo no aguanto metrajes de más de dos horas, pero eso ya es un problema personal mío más que otra cosa.

        Por supuesto, ni que decir tiene que, si quieres realmente disfrutar la historia, y la película, deberás saber de qué estamos hablando aquí. Quién es quién, qué ocurrió y que tengas unos conocimientos mínimos sobre el contexto histórico que tratamos. De nota, le vamos a dar un 7, y por supuesto, recomendamos su visionado, como no puede ser de otra forma.

El Flow de Kagoen (2026)

 

         Es una pena, pero desde hace un tiempo (varios años), no suelo ver muchas películas alemanas, y menos aún, series. Pero, en mi camino exploratorio por Netflix, hace un par de semanas me topé con “El Flow de Kagoen”. Una serie alemana, de este 2026, con una única temporada de nueve episodios, a la que le sobran, perfectamente tres (y con una duración media cada uno, de unos 35 minutos), que gira en torno a un humor absurdo, (alemán, claro está), que mezcla el drama de una familia un tanto peculiar, la cultura del rap en Alemania, un pato que narra la historia (rapero), y toda una serie de situaciones, algunas más delirantes que otras, que quizás sean más graciosas en alemán, o para un germano-parlante, pero que no siempre me han hecho levantar la ceja. Comedia satírica, podría definirse.

        Aún así, la he ido viendo en una semana y media, en nuestras noches de asueto, y a pesar de que ya os adelanto, le voy a dar un 5 raspado de nota, no me ha llegado a convencer del todo, aunque reconozco que te ofrece algunas reflexiones sobre la vida, los sueños que persigues, la familia, y el fracaso, en todos los sentidos, bastante a tener en cuenta, y con episodios, algunos, entretenidos.

        ¿Vale todo para conseguir superarte personalmente, o quizás debemos renunciar a nuestros sueños por, por ejemplo, un hijo? Por ahí va la moraleja de la serie, desarrollada en un pequeño y ficticio pueblo alemán, cerca del río Havel, en la zona de Brandeburgo, alejado de la civilización, de las grandes ciudades, que ayuda a remarcar las diferencias entre rurales y urbanitas en algunas ocasiones.

        Pero… ¿De qué va la trama de El flow de Kagoen? En el primer capítulo nos presentan a Toni Fleischer, un hombre de treinta y tantos años que lleva casi dos décadas intentando triunfar como rapero, sin ningún éxito. Durante años ha vivido en Berlín, donde combina su sueño artístico con su aspecto laboral, que es repartiendo pizzas.

        A pesar de su constancia y de su entusiasmo por la música, Toni nunca ha logrado alcanzar el éxito que esperaba. Sus canciones no son conocidas, tiene más años que un puente romano, y las nuevas generaciones lo van dejando atrás.

Toni, entonces, recibe una noticia inesperada: su madre ha muerto en un accidente absurdo mientras intentaba rescatar un pato. Este suceso obliga a Toni a volver a su pueblo natal, Kagoen, un lugar del que se había marchado años atrás con la esperanza de no volver nunca.

        El regreso al pueblo se convierte rápidamente en una experiencia bastante negativa para él. Se encuentra con viejos conocidos, con su familia (con la que tiene una relación bastante tensa), y se entera de que tiene un hijo adolescente llamado Charly.

        Así las cosas, Toni se enfrenta por primera vez a la responsabilidad de ser padre, algo para lo que claramente no está preparado. Charly, por su parte, ve a Toni como un extraño que aparece de repente en su vida sin haber estado presente durante su infancia, y quiere un acercamiento, pero Toni está enfocado en su carrera y en ver la película, que más le gusta de toda la historia, “Armagedón”, cada hora y media. Este tema de la película es bastante curioso, y hasta vamos a oír a hablar a Bruce Willis, al actor de doblaje, quiero decir, sobre la película. Algo que, de delirante, me gustó mucho.

        Otra cosa es la crítica social que hay: hacia la familia, hacia los trabajos, los políticos, los Estados Unidos, los alemanes… Hay cosas sutiles que me han parecido bien acertadas.

        Como curiosidades, os puedo comentar que la historia está narrada por el pato rapero Tupac, que creo que está poco explotado en la narrativa. Que el protagonista, Anton Schneider, es en realidad un rapero alemán bastante conocido por aquellos lares con el nombre de “Fatoni”. Que Sky Arndt, que interpreta a Charly, el hijo adolescente de Toni, es una chica, una actriz haciendo un papel masculino. Me parece interesante porque no suelo verlo en películas ni en series estos roles. Otro dato: Gran parte de la serie fue rodada en pueblos reales de la región de Brandeburgo.

        En definitiva: Como os decía al principio… Entretenida, le sobran tres capítulos de rigor (esto se puede contar con menos), y sospecho que en su idioma original debe ser más graciosa, o llegarte más… En fin, la dejo a vuestra elección. Le dejo ese cinco de nota que os he comentado.

Máquina de Guerra (2026)

 

Anunciada desde hace meses con bombo y platillo, “Máquina de Guerra” es otra apuesta de las plataformas de streaming, en este caso, Netflix, que saben que una producción de acción, a la que le añades ciencia ficción, suele dar un buen blockbuster para entretener al personal, y que no piensen mucho, o directamente nada, mientras ven una cinta de gran presupuesto.

Y, ojo, no es una crítica. A mi me entretienen estas producciones, y, de hecho, la vi cuando se estrenó el pasado   6 de marzo, y me hizo pasar una tarde noche… Pues eso… Para pasar el rato durante su hora y cuarenta minutos de metraje, creo recordar, u hora cuarenta y cinco, por ahí rondaba el asunto.

No se ha hecho público el presupuesto de la película, pero seguramente ha sido una millonada. Lo que si os puedo comentar es que en una semana ha superado, al parecer, y según algunos foros, los 70 millones de visualizaciones en una semana, que no es cualquier cosa, pasando a convertirse en una de las películas más vistas de lo que llevamos de año… Todo un héroe gringo, una vez más, contra las fuerzas alienígenas, eso engancha mucho.

        La película ha sido dirigida por Patrick Hughes, director y guionista australiano, que quizás te suene de irregulares películas de acción, como “El Hombre de Toronto” o “Los mercenarios 3”.

        Como protagonista principal tenemos al actor, modelo y cantante estadounidense Alan Ritchson, un tipo que bien podría protagonizar cualquier remake de Rambo o películas similares, que aquí interpreta a un militar que aspira a convertirse en ranger del ejército estadounidense después de haber sufrido la trágica perdida de su hermano en combate, y prácticamente de todos los que le rodeaban en una misión en Afganistán.

El reparto incluye también a actores reconocidos como Dennis Quaid, que sale un tal de tres minutos y medio (y quizás sea mucho), el canadiense Stephan James (que yo recuerdo de la película “Race” haciendo de Jesse Owens), el australiano Jai Courtney (del que solo lo recuerdo de salir en “El Escuadrón Suicida”), el mítico Esai Morales (que lleva más de cuarenta años en el mundo de la actuación), y del resto del elenco, lo siento, no me acuerdo.

 

La película se rodó en Australia, concretamente en el Estado de Victoria, y algunas escenas en Nueva Zelanda, en la región de Queenstown, entre septiembre y diciembre de 2024. Y los interiores, en Melbourne. Una curiosidad que os adelanto es que algunos escenarios que representan bases militares estadounidenses se recrearon en instalaciones militares australianas.

Pero… ¿De qué va “Máquina de Guerra”? Pues en nuestra narrativa tenemos a un militar experimentado, un ingeniero rebotado de un trauma de la Guerra de Afganistán que perdió a su hermano y a veinte tipos más en una emboscada talibán en medio de la nada. De hecho, ni vamos a ver al enemigo, solo a todos volar por los aires en los primeros compases de película.

El tipo, que se ha vuelto taciturno y huraño, ha decidido presentarse a los rangers del ejército gringo, y tras pasar varias semanas de pruebas duras, al final llega al entrenamiento final, como jefe de grupo, algo que, por ora parte, él no quería, ya que no ansiaba tener ningún tipo de cargo ni de responsabilidad, pero acepta a regañadientes porque en caso contrario, estaría fuera.

El último entrenamiento consiste en localizar un avión derribado, en una zona montañosa, volarlo, y posteriormente, rescatar a los pilotos de una base enemiga. Todo con armas de fogueo y controlado por los oficiales al mando.

A todo esto, durante la película dan noticias en un televisor: Extremadura sigue sin tren ni futuro, un asteroide pasa rozando la Tierra, la gasolina sube y cosas por el estilo.

De este asteroide en cuestión, se desprenden algunos elementos, y uno es una nave que mete un castañazo en la zona militar donde los aspirantes a rangers se entrenan. Estos, equivocan el avión que tienen que volar con el aparato extraterrestre, que duerme la siesta, y del bombazo que le dan, lo ponen de muy mala leche y comienza a cazarlos con un estilo que recuerda a “Depredador”.

Ahora, también os digo, el aparato en cuestión, más que extraterrestre, podría ser chino por la cantidad de remaches que se gasta. No sé la tecnología que tendrán los extraterrestres, pero si es parecida a esto, tampoco van tan avanzados, ojo.

Así, a los 30 segundos, prácticamente se ha cargado a todo el grupo, que con armas de fogueo en las manos, solo pueden decirle “Piun, piun”, como si estuviesen en un patio de colegio.

El aparato alienígena los va cazando por medio bosque, y aunque parece indestructible, algo de pupa le van haciendo de vez en cuando, mientras nuestro protagonista asume, por fin, su papel de líder en todo este tinglado, logrando cargarse al cacharro extraterrestre…

Después, Dennis Quaid nos cuenta que han pasado la primera fase, pero que vienen más aparatos. Por cierto, en ningún momento le vemos el careto a los invasores siderales.

        En “Máquina de Guerra” hay, pues, cine bélico y ciencia ficción, una extraña mezcla entre “La Guerra de los Mundos” y “Depredador”, aderezado con muchas poses y muchas escenas de acción y efectos especiales bastante espectaculares. De hecho, al parecer, prácticamente todas las explosiones son reales. Ideal para echar el rato, y a otra cosa. De nota, un 5.