Saint Seiya. La Odisea del Tiempo 4 (Moztros, 2025) Jérome Alquié, Arnaud Dollen, Masami Kurumada

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          Hace tres años, en abril de 2023, comencé a comprar y a leer los cómics, “Saint Seiya. La Odisea del Tiempo”, una colección de producción francesa, conformados por cinco números, y que están siendo publicados en España por la Editorial Moztros.

        Hoy os traigo la reseña del cuarto tomo de la colección, titulado “Shiryu y la Furia del Dragón”, publicado el pasado diciembre de 2025 en España, aunque yo no he podido leerlo, y disfrutarlo, hasta hoy.

        Comentaros que este spin-off europeo, tuvo la bendición del mismísimo Masami Kurumada en su día, y que viene de la mano de Jérome Alquié, dibujante francés, que, aparte de esta serie, ha realizado en los últimos años un corto basado en la saga de Hades (que podéis encontrar en Youtube, por cierto, y donde destaca un Shun bebé con el pelo rubio), y el guionista Arnaud Collen, que demuestra una vez más ser un gran conocedor de la serie, y que en estos cuatro tomos ha sabido tapar, responder y resolver, algunas cuestiones sobre las sagas de Saint Seiya, y dando protagonismo, no solo a los principales caballeros, sino también a los secundarios de bronces.

        Creo firmemente, que esta “Odisea del Tiempo” (ya lo he comentado en anteriores ocasiones, en las reseñas que le dediqué a los tres primeros tomos), es una colección a tener muy en cuenta si eres fan de “Saint Seiya” porque te va a sorprender desde el primer tomo.

        En cuarto tomo, al igual que los anteriores, nos vamos a encontrar un cómic de tapa dura, a todo color, de 56 páginas, una edición de gran tamaño (aprox. 19,5 x 28 cm), que, además de su historia, aporta en sus páginas finales una lámina de Shiryu y el diseño de seis armaduras, entre las que se encuentra la de Shaina de Ofiuco (yo la conocí como Shaina de Cobra en su día, Jabu de Unicornio, y cuatro armaduras de las Leptas, o guerreros de Chronos.

        El cómic, al igual que los anteriores, sigue la estética del cómic franco-belga, no es un manga convencional, y hay que reconocerle a Jérome Alquié un dibujo espectacular, muy lineal, muy detallado y detallista, siendo este tomo, visualmente, impresionante, combinando el uso de viñetas de diferentes tamaños, algunas más pequeñas de lo que mi vista alcanza a ver, pero desde luego… Fabulosas.

 

En la narrativa, por si no conocéis estos cómics, os diré que estamos tras los eventos del arco de Hades. Aunque Atenea ha triunfado, el coste ha sido caro, muchos caballeros cayeron en combate y el equilibrio del mundo está roto. El santuario está tocado, algo que va a aprovechar el Dios Chronos para construir el llamado “Reloj del Apocalipsis”, un aparatejo con el que conseguiría dominar todo el planeta, y capaz de alterar pasado, presente y futuro a su conveniencia. Para completarlo necesita tres reliquias divinas: el tridente de Poseidón, la espada de Hades y el cetro de Atenea.

Seiya está fuera de combate, en estado vegetativo, aunque su espíritu está atado, sostiene, la espada de Hades que las Leptas o Guerreros de Chronos ansían, y su ausencia se nota en un grupo que necesita un liderazgo.

En este cuarto tomo, el protagonismo recae en Shiryu, que consumido por la ira, la desesperación y la aparente perdida de Seiya, deberá convocar su máximo poder para enfrentarse a los guerreros de Chronos, proteger a Seiya y al santuario, e intentar de paso que Seiya salga del estado en que se encuentra.

        Estamos ante un tomo lleno de acción, con un ritmo intenso, donde, aparte de Shiryu, algunos caballeros de bronce secundarios, capitaneados por Jabu de Unicornio y Shaina de Ofiuco, tendrán también su momento.

        Lo mejor es sin duda el final del tomo, que aparte de ser emocionante, le va a dar paso a un quinto tomo, que aún no tengo, se supone que saldrá durante este 2026, y que me barrunto que será espectacular.

        Una historia, esta de “La Odisea del Tiempo”, digna de la saga Saint Seiya. Yo os la recomiendo fehacientemente. Y recordad: Si los sueños se van, el cosmos te guiará.

Scream 7 (2026)

 

         Los fans de la saga “Scream” están de enhorabuena. Este 2026 ha llegado una nueva entrega de la franquicia, la séptima, y posiblemente, no la última dado los resultados económicos que ha cosechado en el último mes y medio, desde que se estrenó esta nueva película.

        Y es que, estrenada el pasado 27 de febrero, y con un presupuesto de 45 millones de dólares, la película ha recaudado a nivel mundial, la friolera de 150 millones de dólares según algunas webs especializadas, manteniéndose aun en cartelera.

        De hecho, ha sido el mejor estreno de toda la saga. Con solo el primer fin de semana, la película ya había recuperado más del doble de su presupuesto, algo poco habitual en el cine actual, y que confirma que el “tirón nostálgico” sigue funcionando, aunque ya os adelanto que la película, a pesar de ser entretenida, tampoco me ha parecido para tirar muchos cohetes.

        Tiene su interés en el hecho de que repiten viejas glorias, hay guiños para aquellos espectadores que hayan visto las anteriores entregas, pero el cuchillo y la máscara prevalecen, una vez más, en este slasher comercial.

        Dirigida por Kevin Williamson, creador original de la saga, esta entrega supone, fundamentalmente, recuperar a viejas glorias (como os decía anteriormente), para enfrentarse a un tipo que se suponía que estaba muerto, o realmente lo está, pero no así su legado, su espíritu, encarnado esta vez por una serie de gente que está muy mal de la tarra, y que no se tomaron el tranquimazin cuando tenían que hacerlo.

        Dentro del reparto, tenemos a Neve Campbell, que vuelve por sus fueros, tras su ausencia en la sexta entrega por disputas salariales, que se han dejado de lado en esta ocasión. Lo que viene a significar que le han pagado lo que quería. Y, de hecho, el regreso de Neve Campbell fue uno de los grandes reclamos de esta séptima entrega.

        Vuelve, igualmente, Courteney Cox, que ya estuvo en la sexta entrega, la de 2023 también, y que retoma su papel como Gale Weathers, consolidándose como el personaje más constante de la saga, una auténtica momia… Dentro de la saga, quiero decir, que no se me entienda mal.

        Y se incorpora Isabel May, como nueva generación que debe enfrentarse a los cuchillos toledanos de Ghostface.

        Pero… ¿Qué nos vamos a encontrar en esta nueva entrega de “Scream”?

Pues han pasado años desde la última masacre, y Sidney Prescott ha logrado construir una vida aparentemente tranquila lejos del horror, en compañía de su hija, Tatum Evans, llamada así por la antigua amiga de Sidney, Tatum, desvivida por Ghostface.

Sin embargo, contra todo pronóstico, tenemos la aparición de un nuevo Ghostface en su pequeño pueblo, que desata una cadena de asesinatos, donde el cuchillo toledano es el gran protagonista, que parecen reproducir patrones del pasado.

La diferencia esta vez es personal: La hija de Sidney, Tatum, se convierte en objetivo directo del asesino, pero no por ello Ghostface va a hacer ascos a la hora de apuñalar a todo lo que se cruza en su camino, más que nada actores de treinta haciendo de adolescentes, ya que sería una falta grave de respeto hacia el personal.

A medida que la violencia escala, se revela que el culpable no actúa por simple imitación, sino como parte de un plan obsesivo por reescribir la historia de la saga.

No tenemos a un solo Ghostface, sino a todo un clan de imitadores y locos de atar que quieren mantener vivo su legado, supongo que, porque esto de asesinar a cuchilladas disfrazado podría traer turismo al pueblo, o porque simplemente se aburren, o porque son gringos, vete a saber.

En la batalla final, tanto Sidney como Tatum, madre e hija, deberán enfrentarse a los desenmascarados Ghostfaces, que ya forma parte de la tradición familiar, e intentar sobrevivir a esta nueva prueba para que pueda haber una octava parte, que me barrunto que habrá dado el exitazo económico en taquilla.

En definitiva: Película entretenida, que recupera la esencia de la saga, pero que a pesar de los guiños para aquellos espectadores que ya conocían la saga, la verdad es que aporta poco al conjunto total. No revoluciona y riza el rizo con su narrativa, pero sales de la sala de cine, después de sus casi dos horas, y te dices: Pues bueno, pues vale, a ver qué tengo hoy para cenar… Esto de dar cuchilladas atrae mucho a la gente, es el morbo en estado puro. Por cierto, no esperéis escenas post-créditos ni nada parecido. De nota le doy un 5.

Primal. 1º Temporada (2019)

 

         Como viene siendo habitual en mí, llego a una serie como “Primal” con varios años de retraso, a pesar de que se me venía recomendando desde hace mucho tiempo…

        En un principio, pensé en verme del tirón las Tres Temporadas que han salido hasta la fecha, sus treinta episodios del tirón, pero tras una semana y media liado con sus diez primeros episodios, he llegado a la conclusión de que sería mejor dedicarle a cada temporada una reseña… Más que nada porque la Primera Temporada me ha parecido que lo merece. Me ha gustado mucho, ya lo voy adelantando, y las siguientes, que aún no he visto, podrían bajar la media, o quizás subirla más… No sé, aún no me he puesto con la Segunda Temporada.

        De todas formas, la Primera merece una reseña, y por eso estamos aquí… ¿Qué es “Primal”? Pues una serie de animación creada por Genndy Tartakovsky, que se estrenó en 2019 en Adult Swim. Consta de 10 episodios, cada uno con una duración aproximada de 20 a 25 minutos (con media cercana a los 22 minutos), y donde nuestros protagonistas son un cavernícola y un dinosaurio… Si, has oído bien, ¿A qué es un buen tándem? Pues no te equivocas.

        Estamos en un mundo prehistórico brutal, donde vemos a todo tipo de seres matarse y comerse mutuamente todo el rato. La piedad parece no tener cabida en este mundo donde te pueden destrozar en milésimas de segundo.

Un cavernícola llamado Spear pierde a su familia tras el ataque de unos dinosaurios. Os tengo que decir que no sabía realmente su nombre hasta que no lo busqué, porque en sus primeros nueve episodios, no se va a pronunciar ni una sola palabra. Solo gruñidos, gritos y rugidos. En el décimo, nos vamos a encontrar a una tipa calva que habla en un extraño y desconocido idioma, con acento de Badajoz.

 Poco después, el propio cavernícola presencia una tragedia similar cuando una hembra de tiranosaurio, Fang, ve morir a sus crías. Tampoco sabía el nombre de la tiranosaurio. ¿Tenían nombres los dinosaurios? Vete a saber, porque en este colorido mundo, todo es posible.

Unidos por el dolor, la perdida, y un vínculo inaudito y altamente improbable, crean un dúo, sin un destino concreto, y comienzan a sobrevivir juntos, cazando, luchando y encontrándose con todo tipo de monstruos.

 

Lo curioso es el grado de complicidad, en todos los sentidos, que llegan a tener el cavernícola y la dinosaurio. Y, es gracias a conexión, que logran enfrentarse a otros dinosaurios, primates locos, epidemias zombis, vampiros gigantes, brujas y fenómenos paranormales y sobrenaturales de todo tipo. El cavernícola armado con su lanza de piedra, y el dinosaurio con sus potentes fauces conformadas por 2300 dientes, colmillos y muelas del juicio del tamaño de un Seat Panda.

        No le busques en sentido histórico, antropológico o arqueológico a la serie. Sencillamente no lo tiene, y creo que tampoco lo necesita para transmitir sin una sola palabra, todo lo que te cuenta.

        Lo interesante es como sobreviven estos dos a todo tipo de peligros, vicisitudes y escenarios imposibles. Todo es movimiento, acción, y una naturaleza tan colorida como violenta y gore, donde no van a faltar los hectolitros de sangre, tantos, que seguro que habrán entusiasmado a más de un japonés cuando vio la temporada. Los episodios son conclusivos, pero si es cierto que hay un par de ellos que siguen una continuidad.

        Y, cuando no hay rugidos ni gruñidos, está el silencio, las miradas, los gestos, que funcionan muy bien todo el tiempo. En el último episodio, se encuentran a una mujer calva, prisionera escapada, que intenta hablarles, contarles su historia. Es el único episodio donde vamos a oír hablar, aunque Spear no lo hará, no contestará, no sabemos si por incapacidad, falta de interés o vete a saber.

Como curiosidades os puedo contar que, a pesar de que ya han pasado varios años de su estreno, su presupuesto sigue siendo un secreto insondable. También conviene destacar que la primera temporada se emitió en dos bloques: cinco episodios en 2019 y otros cinco en 2020, lo que generó una especie de “pausa narrativa” que aumentó la expectación.

        A nivel técnico, la animación fue muy elogiada por su uso expresivo del color y la violencia gráfica, poco habitual incluso en producciones adultas de animación televisiva. La serie combina influencias del cine mudo, el cómic y la pintura (entre expresionista y fauvista, diría yo), creando un estilo único, y bastante original. Salvando, y mucho, las distancias, algunas cosas me han recordado a Conan.

        En definitiva: Una primera temporada que me ha quitado el hipo, y me ha tenido una semana y media enganchado desde el primero hasta el último episodio. Es de lo más recomendable, a mí me ha gustado mucho, tanto que le voy a dar un 7 de nota. Ahora vamos a por la Segunda Temporada.

Lydia Litvyak (Cartem Cómics, 2026) Antonio Gil

 
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         Es un verdadero placer presentar, una vez más, un cómic bélico de Antonio Gil. No sé cuántas reseñas le habré dedicado a los cómics de Antonio Gil, creo que alrededor de la docena, quizás más… Vete a saber, perdí la cuenta, pero alguna vez he comentado que nadie te dibuja la historia en cómic como Antonio Gil.

        Dibuja aviones que quitan el hipo, y además, es una enciclopedia viviente, algo que demuestra en cada cómic que publica.

        En esta ocasión, le ha llegado el turno al cómic “Lydia Litvyak”, sexto tomo que nos trae Cartem Cómics, dentro de su colección “Historias de la Guerra”, publicado en este pasado febrero de 2026, y el tercero dentro de la colección del propio Antonio Gil.

        Nuestro autor abrió la veda con los dos primeros tomos, comentados por aquí (tanto por el blog como por el Canal), que fueron los títulos “Richard Halsey Best”, centrado en la Guerra del Pacífico, y “Hans-Joachim Marseille. La Estrella de África”, donde nos desplazamos al frente del norte de África. En esta ocasión le ha tocado el turno a una piloto soviética de la Segunda Guerra Mundial: Lydia Litvyak

        La colección, ya aprovecho para decirlo, es una verdadera gozada para aquellos, que, como a mí, nos encanta el cómic bélico. Hay que agradecerle a Cartem Cómics que nos traiga cómics como estos, donde se recuperan episodios, personajes y acontecimientos olvidados de la historia bélica. Yo, personalmente, los disfruto mucho, porque te crees que sabes todo sobre la Segunda Guerra Mundial, y estos cómics son bofetadas de realidad, que recuperan una memoria que no debería perderse.

        El cómic es un tomo autoconclusivo, como el resto de la colección, con un formato de álbum europeo, cartoné (tapa dura), con 56 páginas a color, donde te vas a encontrar una cuidada edición, con un dibujo espectacular y con extra histórico final, que es una verdadera maravilla: Por un lado, notas relacionadas con nuestra protagonista, la lista de victorias aéreas de Lydia Litvyak, y sus condecoraciones, y un dibujo de ella misma y su avión.

Y por otro lado, un dosier histórico complementario, que viene de la mano, en esta ocasión, del Doctor en Antropología e Historiador Aeronáutico, Carlos Lázaro Ávila, que aparte de la rigurosa documentación, aporta una serie de fotografías relacionadas con la protagonista y el contexto histórico donde nos movemos.

        En la narrativa, vamos a conocer a Lydia Litvyak —conocida como la “Rosa Blanca de Stalingrado”—, conocida de esta manera porque supuestamente llevaba una rosa blanca, en otras versiones, un lirio blanco, dibujado en el fuselaje de su avión.

La vida de Lydia tuvo mucho de película, de folletín y de propaganda soviética, y la historia juega con estos elementos.

Pierre, un periodista/escritor que investiga su vida, acaba dando con una anciana rusa, que, desde su retiro suizo, entre montañas, le corrige en los aspectos que él está equivocado respecto a la vida de la piloto soviética de la Segunda Guerra Mundial. Él ha caído en sus publicaciones, en tópicos y medias verdades, y la abuela le cuenta la historia de Lydia, y como aquella joven veinteañera se hizo un hueco en un mundo dominado por los hombres, para primero aprender a volar, y posteriormente a combatir sobre el cielo ruso plagado de cazas y bombarderos alemanes.

        La abuela va derrumbando mitos ante el escrito sobre la piloto, y no solo se mueve en el terreno bélico, también en el sentimental, a través de los recuerdos de aquella época. Vamos a conocer a otras pilotos de cazas soviéticos, y el escenario principal se mueve en torno a Stalingrado, en lo más crudo de la encarnizada lucha entre alemanes y soviéticos, donde morían tanto en tierra como en el aire.

        Por eso, os digo que tuvo una vida de película. Vemos su pasión por volar, la llegada del amor en el propio frente de guerra, la pérdida, el estrés emocional y la madurez de un personaje que acabó encontrando la muerte tempranamente, dándose por desaparecida en combate, lo cual llegó a crear nuevos mitos (en algunos de ellos, incluso como traidora a la madre patria), aunque sus restos fueron encontrados a finales de los setenta, restituyendo su historia y su memoria.

        Se le atribuyeron siete derribos en menos de un año, y su historia, que yo no conocía, me ha servido mucho para interesarme más por el papel que tuvieron las mujeres como pilotos en el bando soviético durante la Segunda Guerra Mundial. Ya conocía algunas historias, pero no ésta.

        En definitiva: Yo tengo debilidad por los cómics bélicos de Antonio Gil, y solo puedo recomendarlo fehacientemente. Su dibujo, su historia, su enfoque, y hasta su final un tanto ambiguo, me han parecido fantástico. El remate del dosier histórico es igualmente fabuloso. Tenéis que leerlo, este y todos los de la colección. No defraudan, y encima son rabiosamente didácticos. ¿Se puede pedir más? A por ellos.

Betwixt (Distrito Manga, 2026)

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         En mi búsqueda constante por cómics de terror, y en esta ocasión, manga, me he encontrado con el cómic “Betwixt: una antología de manga de terror”, publicado por Distrito Manga este marzo de 2026, aunque fue publicado originalmente hace ya tres años.

El dibujo de su portada fue lo que me llamó la atención, ya que me recordó poderosamente a mi admirado Junji Ito, y de hecho, es un dibujo de Junji Ito, el gran maestro mangaka del terror, que aparte de esta ilustración, se hace cargo del inquietante prólogo interior en un cómic peculiar, particular, que se presenta como una obra singular que yo he disfrutado de principio a fin.

La idea de hacer una antología de manga de terror no es nueva, pero lo interesante de esta edición de tapa dura, es que trae a seis artistas, ilustradores, guionistas y dibujantes dentro de este género del terror, para mi poco conocidos, tres de ellos estadounidenses y tres de ellos japoneses.

El cómic, si te lo lees por el lado de los estadounidenses, sigue el formato de lectura occidental, y si te lo lees desde el lado de los autores japoneses, pues se lee a la oriental, como solemos leer los mangas de toda la vida. Y, por supuesto, en las dos versiones, japonesa y gringa, te vas a encontrar el prólogo de Junji Ito, ¿A qué es inquietante?

Más que de terror, aquí hablamos de terror psicológico, para ser más precisos. La obra presenta seis historias autoconclusivas, muy diferentes entre sí en estilos, maneras de abordar la temática, y que te van a dejar distintas reflexiones, de eso no me cabe duda.

El término que da título al cómic, “Betwixt”, que según nos declara Junji Ito, es bastante obsoleto, daría lugar a una declaración de intenciones por su significado, que viene a ser: “entre” o “en medio de”.

Se busca una conexión a través de las historias entre dos lugares, dos mundos, que giraría entre lo real y lo normal, por decirlo de alguna manera, y lo extraño, lo paranormal, que se cuela o se cose con hechos, personales o realidades.

        Las historias tienden puentes entre esas realidades, o abren puertas entre ellas, y el terror va más allá de la presencia de monstruos, para centrarse en lo inquietante… Esa es la palabra que ya he comentado anteriormente, inquietante…

        Esa fusión de autores, gringos y japoneses, también actúa como nexo de unión ante el género. El cómic reúne a ocho autores de Japón y Estados Unidos, así pues tenemos a Ryo Hanada (mangaka conocida por su “Devils Line”, cómic con el que ha tirado años), Aki Shimizu (mangaka que ha hecho hasta videojuegos, muy activa ella en el mundo del manga), Shima Shinya (que tiene trabajos dentro del Mundo Star Wars), Becky Cloonan (que la conozco por cómics como Creepshow, que hemos comentado por aquí, y que ha trabajado bastante para DC Comics en obras como Wonder Woman, Gotham Academy o Batgirls, por citaros algunas), Michael W. Conrad (que lleva a las espaldas muchos trabajos también para DC Comics, Superman, Wonder Woman… entre otros), la americana Sloane Leong (que para mí es una auténtica desconocida, y que ha hecho más bien ilustraciones para cuentos), y Leslie Hung y Huahua Zhu.

        Estas dos últimas, para mi también son un auténtico misterio… Si, lo sé, os habéis dado cuenta. Salvo el amigo Michael W. Conrad, todas son autoras de cómic, y casi podría haber sido una antología femenina del cómic de terror, lo cual hubiera estado muy bien, y hubiese sido interesante.

        Y como pasa en estos casos, cada una de las historias tiene su interés, su carácter, y es posible que no te gusten todas las historias… es posible, no. Seguramente no te gustarán todas, algunas más que otras, pero esto entra dentro de la normalidad en este tipo de publicaciones.

        El gancho quizás sea Junji Ito, pero yo tengo que reconocer que he pasado una tarde entretenida leyendo sus 224 páginas de rabioso blanco y negro. En la variedad está el gusto, y sus seis historias no se pueden negar que sean variadas, en dibujo, guiones y terrores impactantes.