El Desprendimiento (Planeta Cómic, 2024) Osamu Tezuka

 

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        Desde hace unos años, los seguidores y admiradores del gran Maestro mangaka, Osamu Tezuka, estamos de enhorabuena, ya que Planeta Cómic está publicando sus obras en un formato de tapa dura inigualable, y a un precio ciertamente muy bueno.

        Tanto por el blog como por el canal de Youtube hemos comentado algunas de estas obras. Es verdad que no las tengo todas, no las he leído todas, pero cada vez que puedo, me hago con algunos de estos tomos de la Biblioteca Osamu Tezuka. No en vano, como algunos sabréis, mi alter ego, Duncan de Gross, es un personaje correspondiente a la última serie de animación que hizo el maestro antes de fallecer, “Destello Azul”, de la cual aún no me he hecho más allá de algún episodio suelto, y que emitió TeleCinco en España a comienzos de la década de los noventa.

        En esta ocasión, el cómic que os presento es en realidad una antología, una recopilación de relatos cortos. Seis cómics breves y autoconclusivos y un cuento ilustrado, con una viñeta bastante pequeña que ya me cuesta leer, pero sin duda alguna, puro Osamu Tezuka, que hay que leer, disfrutar, y al ser posible… Atesorar.

        “El Desprendimiento” es un tomo diferente al resto de los que me he leído hasta ahora de esta colección, que suelen ser historias publicadas en revistas y magazines de la época dorada del autor, entre finales de los sesenta y finales de los ochenta.

En esta ocasión nos vamos mucho más atrás, y eso se nota en el tipo de viñeta, que, como os comentaba anteriormente suele ser bastante enana, pero que se cimenta en algunos de los ideales o preocupaciones que van a acompañar a Tezuka a lo largo de su vida, como pueden ser la guerra y sus consecuencias, guerras pasadas o en futuros inciertos, el desarrollo armamentístico de las armas nucleares y sus pruebas en el propio planeta, la era espacial con referencias a Yuri Gagarin y los futuros viajes y aventuras espaciales (que, por cierto, no llegaron a darse, por lo menos hasta ahora y como se imaginaban), un profundo antibelicismo que no suele reflejarse en una crítica al ejército japonés, aunque si en mandos y oficiales despiadados que sacrifican vidas inútilmente, y un interés por la mitología tanto nipona como occidental…

Todo aderezado con pequeñas dosis de drama, acción, y con presencias infantiles y/o juveniles, que si no son siempre protagonistas, si tienen una fuerza en sus obras… Al fin y al cabo, estos cómics publicados en revistas iban destinados a un público joven, con una gran imaginación, y Tezuka sabía para quién escribía y dibujaba.

“El Desprendimiento”, el primer cómic que da título precisamente a este tomo, se publicó en la Revista X en 1959, y nos cuenta una curiosa historia de venganza minera, pensada y elaborada por el hijo de un minero fallecido con tiempo y dedicación hacía el dueño de la mina, antiguo compañero de su padre. El protagonista, que suele ser un tipo de personaje muy repetitivo en las obras de Tezuka, no es en vano es una derivación de su “Astro Boy”, lo vamos a ver en distintas historias y cómics a lo largo de toda su carrera.

        “Flores en Tierra Yerma” se publicó en la misma Revista X en 1959, y es una historia de segundas oportunidades llena de metáforas, donde un antiguo convicto intenta comenzar de cero como pescador en un inhóspito y lejano puerto del norte, pescando y cultivando flores.

“Batalla Final en Cabo Caníbal”, publicada en 1957 en un suplemento, nos lleva a 1943, a un territorio indeterminado del Pacífico, donde el ejército japonés sacrifica hombres a mansalva frente a tres poderosos tanques que tiene el enemigo, que no se especifica pero que nos imaginamos estadounidenses.

El objetivo es tomar un cabo, y somos testigos de cómo cierto oficial deshumanizado y rencoroso sacrifica heridos y soldados que le caen mal personalmente, para lograr sus fines. Una historia con un componente antibelicista por un lado, pero que se apiada del pobre soldado japonesito que cumple órdenes sin pestañear hasta morir. Curiosamente, en esta historia se hace referencia a una película del mismo año de la publicación del cómic, 1957, “El Emperador Meiji y la guerra ruso-japonesa”, que se estrenaría doce años después de los hechos que narran en el cómic.

“El Fantasma de la Base Yet” es un cómic un tanto caótico, pero lleno de acción, es el más antiguo de los publicados (1956) y con un joven detective como protagonista, cazador de fantasmas y piloto de combate.

“El Valle del Fuego”, de 1960, es la aventura de un joven pistolero de camisa bien planchada, un niño en busca de justicia y venganza en el Lejano Oeste.

“El Cuaderno de Bitácora del Tornado” fue publicado en capítulos originalmente entre 1963 y 1964 en un dominical que acompañaba a un periódico de la época. Dirigida a los más jóvenes lectores, Tezuka retoma aquí las aventuras de un niño, protagonista de viajes en veleros, aventuras en fondos marinos y con civilizaciones inexistentes. Es una historia con un gran componente social, que destila preocupación por los usos de los experimentos nucleares en el Pacífico, la posible escasez de comida, la desaparición de las algas de los fondos marinos o la explotación de gases de los fondos marinos. Un visionario Osamu Tezuka.

Para cerrar las 247 páginas del tomo, tenemos un cuento ilustrado “Alas y Polvo de Estrellas”, publicado por partes entre 1961 y 1962, donde unas alas mágicas provenientes de un hada, o un ángel, llegan a manos de un niño que corre mil aventuras con ellas.

En el cuento, Tezuka crítica la ambición empresarial, la vorágine del capitalismo en un Japón que parecía haberse recuperado de la guerra milagrosamente, donde vuelve a hacer referencia a futuras explotaciones humanas en el espacio, la conquista espacial y contrapone la codicia de los adultos con la sed de aventuras e imaginación de los niños.

En definitiva: “El desprendimiento” es una obra curiosa e imprescindible si eres fan de Osamu Tezuka. Yo reconozco que no es de lo mejor que he leído de él, no os voy a mentir, aunque también hay que entender que aquí lo que tenemos es el germen del gran maestro del manga en el que se convertirá en muy pocos años después. Si creyera que no merece la pena, no me hubiera molestado en hacer esta reseña, podéis estar seguro de ello.

Por cierto, su precio ronda los 16 euros, que no es nada cuando lo que estás adquiriendo es pura historia del manga japonés, historias de hace setenta años… Ahí lo dejo.

Adolescencia (2025)

 

         La serie británica “Adolescencia”, producida por Netflix y que consta de cuatro episodios, de una media de duración de entre 50-60 minutos, ha causado cierto revuelo durante este mes de marzo de 2025 que se nos termina, ya que la miniserie, rodada en plano secuencia, en un solo plano (técnicamente, está francamente muy conseguida), se ha llegado a considerar como la mejor de 2025 a ocho meses de concluir el año, por varios medios españoles e internacionales.

        Para mí, asegurar que “Adolescencia” es la mejor serie del año es muy arriesgado, y esas vainas las puedo afirmar en diciembre, pero nunca en marzo. La serie está muy bien, es muy recomendable, pero también tiene algunos “peros” narrativos, plantea más dudas que respuestas.

        “Adolescencia” viene de la mano del actor británico, ya veterano, Stephen Graham, que no es precisamente un cualquiera, y que, entre películas, series y hasta videoclips musicales, alcanza los casi doscientos trabajos realizados. El propio Stephen Graham participa como actor, siendo el padre de nuestro protagonista, y entre los productores ejecutivos, que son una docena, destaca un tal Brad Pitt.

La narrativa gira en torno a un chaval de trece años, Jamie Miller. El nene está durmiendo tranquilamente en su cama, son las seis de la mañana, y la policía irrumpe en casa para llevárselo detenido. Literalmente, el chaval se mea encima.

Jamie es hijo de un fontanero, de una ama de casa y tiene una hermana mayor que está a punto de entrar en Bachillerato. De entrada, parecen la típica familia inglesa de toda la vida, que viven en las también típicas casitas inglesas de ladrillo de toda la vida.

Cada episodio, de los cuatro que conforman la serie, está centrado en algo relacionado con el propio Jamie, indirecta o indirectamente. El primero sería la propia detención, la llegada a la comisaria, los primeros interrogatorios, la confusión un poco de lo que está pasando, la llegada de su abogado, un episodio bastante trepidante porque tú como espectador no te estás enterando aún muy bien de lo que sucede, y son muchas las preguntas que surgen, y la serie no llega a contestarlas todas, que es uno de los “Peros” que le pondría, que cuando concluyas la serie te encontrarás con más preguntas que respuestas.

        El segundo episodio sería la escuela, el colegio, donde todos van con móviles, aquí se abriría un posible debate sobre el uso de los medios tecnológicos a estas edades (móviles, tablets…), todo se graba y todo se sube a las redes sociales con una serie de códigos, basados en emojis, en los que yo como buen boomer me pierdo completamente. Aquí aparecen cosas que si oigo en mi día a día, como la palabra incel, que a grandes rasgos es el pagafantas de toda la vida, como es mi caso, un pagafantas al cual le han rechazado en 17 ocasiones a lo largo de su vida y no le dio por ir apuñalando a las que me rechazaban, por… sobre todo, mi tremenda e insoportable fealdad, por lo que me comentaron el 90% de las encuestadas.

Aquí ya nos enteramos de que nuestro Jamie ha apuñalado a una chica que no me ha quedado claro de que, si le gustaba, o no, o él era el acosado por parte de ella, todo un tanto confuso y donde unas fotos en redes como Instagram y Snapchat, son el pistoletazo de lo sucedido.

 

También se nos habla de la regla 20/80, que es la de toda la vida de Dios. Al 80% de las mujeres le gustan el 20% de los hombres, y al revés, prácticamente el 80 no, el 100% de los hombres se lo montaría con todas las mujeres que se cruzan en su día a día, e incluso algunos con cabras, gallinas o papeleras. Nada nuevo bajo el sol.

El hombre es el que más rechazo recibe, o como me decían a mi hace 40 años en el instituto: La mujer pierde la virginidad cuando quiere, el hombre cuando le dejan.

En este segundo capítulo: Profesores, educadores y Equipos Docentes en general aparecen como una panda de incompetentes e histéricos que son incapaces de afrontar a hordas de niñatos maleducados e irrespetuosos, que les importa un huevo su formación, la escuela y todo lo que les rodea, y encima se ríen en su cara. Un tanto exagerado, pero algo de verdad hay en todo eso.

El tercer episodio gira en torno a Jamie y la psicóloga que lo está tratando. Jamie resulta que está como las maracas de Machín, y tiene unos arrebatos violentos increíbles, cuando pensaba que era un mosquito muerto. Sale un Guardia que no se calla ni harto de vino. Pura representación teatral, con dos muy buenas actuaciones.

        El cuarto episodio es la propia familia de Jamie. Trece meses después del delito, y a un mes del juicio, es el cumpleaños de papi, y vemos como la familia del fontanero lo está pasando infernalmente. Con pintadas en la furgo, miradas de los vecinos y una presión social que hará que nuestro padre pierda la perola por instantes.

Y fin… ¿No hay un quinto episodio donde conozcamos a la víctima o a su familia? No. No vamos a ver ese punto de vista, lo cual me parece un error lamentable, porque podría haber cerrado una serie que cojea por esa parte. Igualmente, no nos queda claro el papel de todos los amigos, compañeros de clase, en todo esto. He llegado a pensar que el hijo del policía al cargo de la investigación, que comparte colegio con Jamie, o también estaba metido en el ajo o sabía más de lo que contaba. Igualmente, la amiga de turno, que más allá de arrebatos de ira, violencia, llorar y contestar mal, no aporta mucho más al enigma.

Todas mis dudas parten del segundo episodio, donde unos nenes que acaban de perder trágicamente a una compañera, se comportan como gremlins en una fuente. Es la deshumanización total ya desde el colegio.

        En definitiva: La serie está muy bien, a mi me ha tenido enganchado sus cuatro episodios que hemos visto de una tacada, pero hubiera cerrado mejor con ese quinto episodio dedicado a la víctima. Técnicamente, impecable. Fantásticamente dirigida por Philip Barantini. Los diálogos pasilleros son muy videojuego, o en la furgoneta que no se encuentra con ningún semáforo, ni hace un ceda o un stop, un tanto surrealista, pero no llegan a restar.

        Buena música, actuaciones sublimes de todos ellos, especialmente Stephen Graham que lo borda… No sé si es la mejor serie de 2025, os lo diré en diciembre, pero si es posiblemente una de las mejores, aunque este año tengo que reconocer que el listón está alto. De nota, le voy a dar un 7 y espero vuestras opiniones al respecto.

Rebroken (2023)

 

         Al actor Kenny Yates, director de “Rebroken”, lo conocía por ser haber participado en la serie “Gatitos Explosivos” y poco más.

        En 2023 se pasó al otro lado de las cámaras para dirigir un thriller, una película de terror psicológico estadounidense, que, si no llega a ser por sus últimos diez minutos de metraje (dura una hora y veinticinco minutos), hubiera suspendido sin casi parpadear. Curiosamente, Yates, aparte de dirigir, no se resistió a hacer aquí un papel secundario. Seguramente, nunca se lo hubiera perdonado y así, de paso, nos ahorramos un actor de reparto.

        “Rebroken” es una película de bajo presupuesto, que parece rodada por un grupo de colegas en cinco semanas y media. Tengo que reconocer que he llegado a ella mientras buscaba cosas de la filmografía del veterano actor Tobin Bell, que lleva sus casi ochenta películas a las espaldas, casi todas ellas bastante irregulares y algunas directamente malas, lo que no le ha impedido aún así, ganar algunos premios a lo largo de su carrera, y que suele moverse por el género de terror, siendo la franquicia “Saw” uno de sus trabajos más reconocidos e icónicos…

        En cuanto al resto del elenco, como protagonista tenemos a Scott Hamm Duenas, un tipo que ha hecho seis películas en los últimos 25-26 años, y que aquí hace un papel más o menos digno, sin llegarse a estirar mucho, pero aceptable dentro de lo que cabe.

        La para mi desconocida Alison Haislip en el papel femenino, y Kipp Tribble para rematar el triángulo. Un actor y guionista, que también se suele mover por el terror, pero muy irregular en su carrera, con una docena de películas en sus casi treinta años de actor. De hecho, a él le debemos el guion de “Rebroken”, y la historia desarrollada al propio Scott Hamm… Por eso os decía esa sensación de que la película la habían hecho entre colegas, con 30 leuros y en cinco semanas y media.

        “Rebroken” bebe de muchas fuentes en su narrativa. Los créditos iniciales nos dan muchas pistas sobre lo que vamos a ver, en el que se rebobinan partes de la historia que se va a desarrollar a continuación, y aunque vaya por otro camino y esta sea más cutre, y peor realizada, a veces parece imitar en algunas trazas a la película “Memento”, que es un clasicazo del año 2000 que merece ser vista.

        En la narrativa de “Rebroken” nos encontramos con Will. Un padre destrozado por lo que parece el ahogamiento fortuito de su hija preadolescente en la bañera de casa. Va a terapia junto a otras personas que han perdido a seres queridos, pero Will parece no integrarse en el grupo, a pesar de los supuestos esfuerzos de la psicóloga, que le mira mal, le dedica frases frías y parece tener una relación con otro de los miembros del grupo de terapia, Bryan, que va de líder y que es policía.

        Will, siempre que sale de las sesiones, suele coincidir con Lydia, una chica afroamericana cuya hija ha desaparecido, y con el propio Bryan con el que siempre tiene algún roce. Después, como en un bucle, se va a su tienda de referencia y se compra y se hinca su botella diaria de alcohol puro y duro. La verdad es que no me queda claro en qué se supone que trabaja, ni de donde sacar el dinero, ni donde duerme, porque lo que llama casa tiene menos detalles que un Seat Panda, y por tener no tiene ni tele, ni ordenador, ni cuadros por las paredes y no se aleja mucho del frigorífico ni del microondas, donde hace la mayor parte de su vida, si se puede llamar vida a eso.

        La primera media hora de película es siempre lo mismo, y ya comienzas a bostezar y a pensar qué donde te has ido a meter con “Rebroken”.  

        Un día, Lydia le recomienda visitar a un tipo, Von, que vive en una tienda de campaña junto a un árbol. (Si, lo sé, tal cual) Ya que el tipo puede ayudarle en su duelo.

        El tipo, que es nuestro Tobin Bell, primero le manda hacer un dibujo en casa en un folio en blanco, nada de mandalas ni gilipolleces por el estilo, un dibujo de lo primero que se le venga a la cabeza, y desde ese mismo momento, unas letras imantadas de colores que tiene en el frigorífico comienzan a moverse, y empiezan a suceder cosas en la casa mientras a él le perturba una y otra vez la escena en la que ve a su hija ahogarse en la bañera, o eso es lo que él cree ver.

        Alucinado, vuelve a ver al gurú Von, que en su segunda visita le regala una caja de cartón que iba a tirar con unos vinilos de los Iron Maiden, Metallica, Helloween, Judas Priest, lo que viene a ser heavy clásico de hace cincuenta años, y unas casetes de gasolinera con chistes sobre gangosos de Arévalo y lo mejor de Los Chichos.

        Uno de los discos que pone en el tocadiscos le vuela la cabeza, porque es el propio Von diciendo siempre las mismas vainas recogidas de la Biblia, y la llegada de Bryan a su casa hace que comience a replantearse cosas…

¿Os acordáis cuando en “El Laberinto del Fauno” a la protagonista, o en “Abre los ojos”, la “Vanilla Sky” de Tom Cruise, le decían al protagonista que tenía que despertar? Pues de eso van los últimos minutos de nuestra “Rebroken”… De que no hubo ninguna niña muerta, y fue él el que se dio el porrazo padre contra la bañera y está vegetal perdido, como un geranio en un balcón, en un bucle mental continuo…

En definitiva: A pesar de su hora y veinticinco minutos, con diez o quince minutos menos de su primera mitad, te contaría lo mismo y saldríamos todos ganando. De nota le pongo su 5 raspado de rigor y espero vuestras opiniones al respecto. Lo dejo por aquí.

Dark Match (2024)

 

        “Dark Match” es una película canadiense de 2024, que mezcla varios elementos interesantes, que parte de una premisa con gancho como es la Lucha Libre de Tercera Regional, y que tiene a su favor tener entre sus filas algunas caras conocidas del género del terror, y de la Lucha Libre, que, a veces, van de la mano. Como director, que además es el guionista, el canadiense Lowell Dean, que se ha especializado en cine de terror de bajo-medio presupuesto.

        Aunque películas como “Dark Match” tienen su público, es cierto que si la ves, y ya has visto cientos de películas de terror como es mi caso, vas a adivinar perfectamente desde el principio como se va a desarrollar, y como va a acabar, salvo sorpresa de última hora, que ya te adelanto que no hay salvo la aparición de alguien especial… Aun que también sabes que aparecerá tarde o temprano, si no en la conclusión, pues en alguna escena post-créditos que no se da, que no hace falta.

        “Dark Match” no ha tenido una mala recepción, a pesar de ser del 2024, se ha estrenado durante este primer trimestre de 2025 y no ha salido mal parada por los aficionados, pura serie B para todos los fans del género.

        Como os decía anteriormente, la película mezcla varios elementos muy bien elegidos, aunque no del todo originales, que salvando y mucho, muchísimo, las distancias, te puede llegar a recordar a una especie de “Mortal Kombat”, pero en plan cutre ochentero.

        En “Dark Match” tenemos Lucha Libre, películas snuff, tenemos una protagonista femenina con premoniciones, tenemos sacrificios humanos y rituales cutres, América Profunda que abusa de los estupefacientes, tenemos una secta satánica liderada por el mismísimo Chris Jerico, que, si te interesa la Lucha Libre estadounidense, sabrás que estamos hablando de un clásico de hace casi 30 años, tenemos combates a muerte…

Pero también tenemos un abuso de primeros planos, planos cortos, planos laterales sin demasiado sentido, planos difuminados que parecen imitar a aquellas películas en VHS que se habían reproducido mil quinientas veces en una semana, muy psicodélica, muy acorde con la trama, pero en la que te puedes perder fácilmente ya que suele caer en planos oscuros, o coloridos al estilo de una vieja Kodak de hace 40 años.

En la narrativa, estamos en 1988. Una pequeña compañía estadounidense de Lucha Libre intenta sobrevivir en el mundillo. El gerente de la empresa, Rusty, que está medio arruinado, recibe una oferta de 50 mil dólares por ir a un lugar perdido en mitad de la nada, literalmente, para ofrecer una velada de Lucha Libre. Es una oferta que no pueden rechazar porque están al borde de la quiebra.

Entre los luchadores, tenemos a nuestra protagonista, Miss Behave, o Miss Perfecta, que es una luchadora negra que tiene una relación, que últimamente le levanta muchas dudas, con uno de sus compañeros, Joe Lean, que hace de rudo, de malo en el ring.

Una vez alquilada una furgoneta para todos, el equipo al completo se embarca en busca de esos 50 mil dólares. Cuando llegan, son recibidos por una Comunidad dirigida por un exluchador, El Profeta, que ha creado en mitad de aquella nada una comunidad, una secta, que mezcla la Lucha Libre con el culto satánico, y donde curiosamente, todos son blancos y están como una cabra en bicicleta.

En el recibimiento, los drogan, y al día siguiente, cuando comienzan los combates, que están dedicados a los elementos (Viento, Agua, Tierra, Fuego o Infierno…), algunos de ellos descubren que algunos luchadores están comprados por esta Secta, y que se van a desarrollar combates a muerte siendo el último de ellos contra el Final Boss, que es El Profeta.

La película no resalta por su novedad, y a pesar de tener un metraje de una hora y media, podría haber funcionado muchísimo mejor con unos quince o veinte minutos menos, y añadiendo algo más de humor, o al menos de sarcasmo, a una narrativa que te ves venir.

Los combates están muy bien logrados, escenificados, y por supuesto no faltan los hectolitros de sangre y su pizca de gore, pero tiene un potencial que no sabe explotar del todo, queda un tanto irregular en su desarrollo.

Entretiene, sí. Tiene acción, y buenas peleas, también.  pero pasará sin pena ni gloria por delante de tus retinas, y la olvidarás fácilmente.

 

El final, por cierto, queda muy abierto, porque una vez huidos los últimos miembros de nuestra compañía del siniestro lugar, donde dejan un reguero de muertos de todo tipo y circunstancias, se encuentran con un tipo de tres metros, verde y con cuernos haciendo autoestop a plena luz del día, que quiere tener su propio combate a muerte en mitad de la carretera, a plena luz del día, y al que nuestra protagonista no le va a decir que No.

En definitiva: Después de verla, y analizarla a mi manera, no le puedo dar más de un 5 raspado de nota. No puedo con estos enfoques de cámara, que intentan imitar tanto al VHS que acabas cansado de una fotografía tan colorida y oscura a la par, que para un ratito está bien, pero que te hace perder detalles, y que me sube las dioptrías de los ojos (con tres películas como esta seguidas, me quedo cegato perdido), algo que no hubiera ocurrido con otro tipo de realización. La dejo por aquí, a vuestra entera elección.