Freaks: 3 Superhéroes (Netflix, 2020)

The Surfer (2024)

 

        Posiblemente, una de las mayores fumadas que me he visto en bastante tiempo, ha sido “The Surfer”. Película coproducida entre Australia e Irlanda de 2024, protagonizada por Nicolas Cage, y que seguramente en una década será considerada una obra de arte, y que de haberla visto hace treinta años, quizás la hubiera visto de otra manera, pero que hoy por hoy, más allá de la rareza, me ha dicho más bien poco.

        Estrenada mundialmente en el Festival de Cannes de 2024, dentro de la sección Midnight Screenings, la película mezcla thriller psicológico, drama existencial y un humor incómodo, muy ida de olla a niveles astronómicos.

        Dirigida por Lorcan Finnegan, director que yo conozco por la película “Vivarium” (que es otra interesante ida de pinza), tiene una duración aproximada de una hora y media, que a ratos se me ha hecho un poco cuesta arriba.

        Está protagonizada por Nicolas Cage, acompañado por Julian McMahon, que falleció poco después de hacer esta película, Nicholas Cassim y Miranda Tapsell, y rodada prácticamente en un par de escenarios…

De hecho, se filmó en distintas zonas costeras de Australia Occidental, especialmente en Margaret River y Yallingup, lugares famosos por sus playas salvajes y por la cultura surfista que es todo el rollo que tiene la película como fondo de escenario.

        No he conseguido averiguar el presupuesto de la película, ya que no lo he encontrado publicado por ninguna parte, pero en algunos foros se habla de entre 5-10 millones de dólares, siendo su recaudación mundial alrededor los 2,1 millones de dólares, una cifra modesta que posiblemente se incrementará un poco más entre plataformas y cosas parecidas con el tiempo.

         Lo curioso es que The Surfer no es, ni pretende ser una película de surf en el sentido tradicional. De hecho, creo que el tema del surf es más una excusa que otra cosa. No hay largas secuencias heroicas sobre olas perfectas ni una glorificación romántica del mar ni cosas parecidas. El surf funciona aquí como metáfora, como símbolo de pertenencia a un lugar concreto, de una masculinidad tóxica y violencia pandillera, y la playa es un territorio en disputa.

        La historia sigue a un hombre, Interpretado por Cage, cuyo nombre nunca llegamos a conocer, es simplemente “El Surfista”. Regresa a la costa australiana donde pasó su infancia con la intención de comprar una casa y surfear junto a su hijo adolescente. El regreso tiene algo de nostálgico y melancólico: el protagonista quiere recuperar una parte de sí mismo que cree perdida. Sin embargo, apenas llega a la playa, es rechazado de muy malas maneras por un grupo local de surfistas viejunos llamados los “Bay Boys” liderado por Scally, el personaje interpretado por Julian McMahon. La regla del lugar es sencilla y brutal: “No vives aquí, no surfeas aquí”.

        A partir de ese momento, la película se convierte en una lenta espiral de humillación hacia nuestro protagonista, que no da pie con bolo y todo comienza a salirle mal. Lo que inicialmente parece una discusión absurda en la playa evoluciona hacia una pesadilla psicológica. El protagonista pierde dinero, dignidad, estabilidad mental y hasta el vínculo con su hijo. Los surfistas locales funcionan casi como una secta masculina que defiende el territorio mediante intimidación emocional y violencia.

        Nadie ayuda al protagonista. El único policía del lugar lo ignora, los vecinos lo observan con indiferencia y el calor sofocante parece empujarlo poco a poco hacia la locura.

Todo va degenerando por cada una de las escenas que transcurre, y el protagonista, que es un tipo muy obsesionado, es incapaz de abandonar la playa aunque todo indique que debería marcharse. Duerme en su coche, se deshidrata, vaga por estacionamientos vacíos y comienza a comportarse de manera errática, acentuando su locura. Y, todo, aderezado con una paleta de colores muy cálidos, muy claros, donde el sol es parte de la pesadilla.

Cuando parece que ya no puede rebajarse más, y que ya nada puede ir peor, los surfistas de la playa lo ponen a prueba y lo aceptan en su secta o pandilla. Algo que él aprovecha para conseguir lo que quería, surfear con su hijo, a la par que un viejuno que andaba por allí, descabeza de un tiro a Scally y pone en pies en polvorosa a la pandilla.

        La película es muy metafórica, muy simbólica, muy psicodélica, y te da para análisis y para debate largo y tendido, pero yo con el final me he quedado un tanto frío, y con más preguntas que con respuestas.

Como curiosidades, os puedo comentar que el rollo de surfistas violentos y territoriales es, al parecer, real. En ciertas playas australianas y yanquis, hay grupos de surfistas conocidos por expulsar violentamente a quienes consideran “forasteros”.

        Otra curiosidad, es que la película se rodó en exteriores reales bajo temperaturas extremadamente altas. Y, al parecer, Cage sufrió el calorato en sus carnes realmente.

        En definitiva: Película para los muy cafeteros, que puede llegar hacerse un poco cuesta arriba, un poco excesiva, un poco pesadilla psicodélica, como os digo, y que personalmente, a pesar del calor que muestra, me h dejado un tanto frío. Nota: Un 5,5, y la dejo a vuestra entera elección.

Llaman a la Puerta (2023)

 

         Estrenada en 2023, y dirigida por M. Night Shyamalan, la película terror, o de suspense psicológico más bien, “Llaman a la Puerta”, costó en su día 20 millones de euros, y recaudó cerca de 55 millones.

        Es verdad que en su día no la vi, y en todos estos años no he hecho absolutamente nada por verla, pero aprovechando que me ha salido en la plataforma Netflix, me he tragado su hora y veinte minutos de metraje, hace una semanita, y ahora viene algo que viene siendo habitual en mi (hacer reseñas con varios días o semanas de retraso).

        De entrada, os tengo que confesar que la película me ha parecido interesante, sin llegar tampoco a tirar cohetes en la plaza del pueblo. La presencia de Dave Batista, “La Bomba Batista”, haciendo un papel que no me hubiera imaginado en él, la de un dulce maestro de escuela ha sido lo que más me ha entrado por el ojo prácticamente desde el principio, y que la película se haya rodado también sobre casi un único escenario, quitando algunos flashbacks que nos vamos a encontrar, a modo de explicaciones entre escenas, también me ha llamado la atención por ese toque casi teatral de la historia…

        En la narrativa, tenemos a una familia compuesta por dos hombres, Eric y Andrew, y su hija adoptiva de origen asiático, Wen. Los tres están en una cabaña en mitad de un bosque, la típica cabaña enorme, con casita del árbol incluida, una biblioteca increíble, y por lo que se ve… Bastante acogedora.

        Wen está capturando una serie de bichos a pocos metros de la casa, cuando llega la Bomba Batista a darle una dulce matraca a la nena durante un rato. La nena, asustada, les cuenta a sus padres su encuentro con La Bomba Batista. Estos, mientras dudan si creer o no creer a la nena, se encuentran que llaman a la puerta de la cabaña.

        La Bomba Batista, aquí llamado Leonard, no viene solo, viene acompañado de dos mujeres, y otro hombre. Él les habla con educación, y pide entrar dentro de la cabaña, algo a lo que no acceden los ocupantes de la cabaña.

        Finalmente, los visitantes entran y reducen a la pareja, los amordazan, y les cuentan que viene el apocalipsis, que lo han visto en unas visiones, y que el mundo solo se salvará si uno de los dos: Eric o Andrew, muere.

 

        Así las cosas, la pareja está convencida de que los cuatro visitantes están locos de remate. Les intentan convencer con pruebas televisivas de diferentes hechos y catástrofes: Pandemias, terremotos y tsunamis, aviones que se caen, trenes que no andan como en Extremadura, cosas así…

        Y cada cierto tiempo, cada vez que la pareja no elige quién morirá, uno de los visitantes se suicida, y el resto ayuda a rematarlo. Esto va a ir sucediendo hasta que solo quedé la Bomba Batista Leonard, la pareja y la nena.

        En todo el proceso, Eric se ha ido convenciendo de que la profecía es real, mientras que Andrew ha permanecido completamente escéptico. Con el apocalipsis recién empezado, y con la Bomba Batista desvivido, Eric muere y solamente Andrew y Wen están para ver como acaba toda esa serie de catástrofes.

        La verdad es que impacta cada vez que uno de los visitantes se desvive, los otros lo rematan y volver a empezar. Los sacrificios y la reflexión filosófica que plantean en la película, la tesitura que exponen, todo me ha parecido interesante, hasta para debatir.

        Entre las curiosidades, os puedo contar que la película se rodó en los bosques de Nueva Jersey, que la película está basada en la novela “La Cabaña del Fin del Mundo” de Paul G. Tremblay, publicado en 2018, y en España en 2021. Aunque, al parecer, el final de la película difiere significativamente del libro, donde la que muere es Wen, y la pareja se enfrenta al supuesto Apocalipsis.

        En definitiva: Película interesante, que juega con los dilemas morales y filosóficos, más emocional y de suspense que de terror en sí. Da que pensar, y como confesaba al principio, me ha parecido interesante, pero sin llegar a ponernos estupendos. De nota le doy un 6.

Los Hombres Lobo (2024)

         Estoy acostumbrado a que algunos de los alumnos más pequeños de mi instituto, jueguen en los recreos en la biblioteca a un juego que les apasiona, y que ellos llaman “La Aldea duerme” o “El pueblo duerme”.

        Por eso, me pareció curioso ver una película francesa de 2024 basada en este juego tan popular entre mis alumnos en la plataforma Netflix, titulada “Los Hombres Lobo”, y con claras influencias de la clásica “Jumanji”.

        Así que, curioso por el tema, y por ver a Jean Reno, me decidí hace algunos días a ver esta película dirigida por François Uzan, que me sonaba de series como “Lupin” y la más reciente “El Profe”, y me he encontrado con una película que no es para tirar cohetes, pero que me ha llegado a entretener y que tiene ciertas curiosidades más allá de estar basada en el juego de mesa, y ser una comedia fantástica… Y es que, basándose en el año 1497, que para mí son los inicios de la Edad Moderna, más que una Plena Edad Media, hay elementos históricos metidos por ahí, como el que no quiere la cosa, que no dejan de ser curiosos, como el papel de la mujer en esta sociedad, o de los mulatos (en este caso, mulatas), a tener en cuenta…

        Con una duración aproximada de una hora y media, “Los Hombres Lobo” es una de esas películas para ver en familia, con una pizza mediante y con el cerebro en Stand By.

Te encuentras de entrada a dos grandes actores del cine francés, como son un Jean Reno, que hace veinte años no imaginaria en este tipo de películas, y Franck Dubosc, que me pega más, y que a mí a veces me recuerda, salvando mucho las distancias, a un Santiago Segura a la francesa en esto de hacer comedias familiares ligeritas para todos los públicos.

En esta ocasión, se intenta mezclar un personaje entrañable con alzhéimer como el de Reno, un abuelete divertido que olvida cosas a pasos dados, con un caricaturesco padre de familia como es el papel de Dubosc, que es el que pone el tono humorístico. El resto de actores, no os voy a mentir, no me suenan de nada.

Rodada principalmente en Praga y otras localizaciones checas como Drevníky o Zduchovice. La película reutilizaó decorados medievales previamente construidos para la serie Knightfall, donde el cartón-piedra está muy presente, pero da el pego para lo que se quiere hacer.

        En cuanto a la narrativa, tenemos a una atípica y diversa (en todos los aspectos) familia francesa de 2024, que están jugando a “Los hombres lobo de Castronegro”.

Casi enseguida, un breve terremoto los transporta mágicamente al año 1497, dentro del juego, a una aldea medieval donde deben encarnar los roles que les han sido asignados, y todo eso sin que se les aparezca el Amo del Calabozo ni que tengan que meter un batacazo con la vagoneta de una atracción de feria.

En la aldea: Cada noche, los hombres lobo atacan, y durante el día, los aldeanos deben descubrir quiénes son los culpables, cargándose de vez en cuando a algunos inocentes por el camino. La dinámica reproduce las reglas del juego original, pero con consecuencias reales, como son las muertes.

La única forma de regresar al mundo real es completar la partida, es decir, identificar correctamente a los hombres lobo, aunque pronto descubren que la nena pequeña de la familia es uno de los cuatro Hombres Lobo, que, en teoría, deben eliminar si quieren volver a la Francia de 2024, con todas las cosas buenas que tiene respecto al Medievo.

        La curiosidad principal de la película ya la sabéis, es que está basada en un popular juego de mesa francés creado por Philippe des Pallières y Hervé Marly en 2001, que, por cierto, se basa directamente en el juego clásico Mafia, creado en 1986 por el profesor de psicología ruso Dimitry Davidoff. Otra curiosidad es que es inevitable no acordarse de Jumanji, aunque tiene sus diferencias como se puede ver en la película.

        En definitiva: Estamos, como os decía anteriormente, ante una película ligera familiar, donde hasta lo más jóvenes de casa podrán disfrutar de la trama. No es una película de terror, no les va a dar miedo, tiene sus puntos de comedia justitos pero suficientes para entretenerte, aparece cierto artista del Renacimiento como el que no quiere la cosa, y la duración justa para que no mires el reloj. Ver, olvidar y echarte unas partidas después al juego (si lo tienes en casa). De nota le iba a poner un 4,5, pero me he venido arriba y le voy a dar un 5 raspadete… No sé si hago bien, ya me diréis.

Depredador Dominante (2026)

 

          Estrenada la última semana de abril de 2026, concretamente el 24 de abril, nos llega una de esas películas, que, en nuestro caso, da que hablar.

        Reconozco que tenía curiosidad por verla, en parte por volver a ver una película donde la protagonista sea Charlize Theron, y en parte por unas declaraciones que la propia Theron hizo hace un mes en una entrevista hablando de la película, en la que decía que la historia le seguía pareciendo loquísima… Y, la verdad es que, mientras la veía, pensaba: Quizás te hayas quedado hasta corta.

        “Depredador dominante” (título original “Apex”, que podemos traducir como cima o cúspide) es un thriller de supervivencia, de los que ya hemos visto en otras ocasiones, aquí muchos elementos de otras historias y de otras películas, dirigido por Baltasar Kormákur y protagonizado por Charlize Theron, Taron Egerton y un Eric Bana en tiempos bajos, que solo sale tres minutos y medio en todo el metraje.  

        Con una duración aproximada de 90 minutos, se te van a quitar las ganas de ir a Australia de aventuras. Cuando no son las serpientes y las arañas, son los locos sueltos.

        Como siempre pasa en este tipo de producciones, Netflix no ha soltado prenda sobre cuanta pasta ha costado la película, pero ya os puedo decir que aquí se han dejado una buena millonada.

        En cuanto a la narrativa: Comenzamos la película en Noruega, donde Sasha (Charlize Theron) y su pareja (Eric Bana), están escalando la pared del Troll, que, por cierto, es la pared vertical más alta de Europa, con más de 1100 metros de caída libre. Allí, precisamente Sasha se queda sola después de que Eric Bana se regenere en un vuelo.

        Como no sabemos de dónde saca las perras, pero tampoco parece ser importante. Sasha cambia Noruega por Australia. La montaña por el kayak, y se allá que se va en busca de nuevas experiencias, a pasar el duelo.

        Nada más llegar, un tipo llamado Ben, el típico treintañero, le echa una mano con unos pesados que se pasan un poco con ella. Gracias a las indicaciones de Ben, llega al sitio donde quiere llegar, y llegado el momento, se lo encuentra allí, en plan loco de remate, ballesta en mano, y con ganas de cazar… En este caso a ella, que deberá huir de un lugar del tamaño de la provincia de Badajoz.

        Aun así, aunque vaya en kayak río abajo a 80 km por hora, o perdiéndose por aquellos lares, siempre llega Ben para tirarle flechas con la ballesta, incluso se le adelanta y le pone simpáticos vídeos familiares en móviles estratégicamente colocados.

        Pronto es apresada y Sasha descubre horrorizada que Ben, aparte de cazar humanos, se los come habiendo creado sus propias recetas culinarias, y que la próxima será ella.

        Sin embargo, Ben no contaba con el instinto de supervivencia de nuestra protagonista que pasa de ser perseguida en una naturaleza hostil a llevar la batuta. La presa se convierte en cazadora, le revienta una pierna a Ben, y aunque parece que van a colaborar para escapar juntos del infierno australiano, ella lo deja caer en un momento dado mientras subían por una pared vertical, especialidad de Sasha, que se deshace de Ben e informa a las autoridades australianas del paradero de los veinte cuerpos cocinados por Ben en una cueva…

        Ni que decir tiene que los minutos finales son para una Sasha reflexiva, en una playa, que piensa que será mejor retirarse y dedicarse a la petanca o algo parecido.

        Como curiosidades os puedo contar que la película se rodó en Australia. Charlize Theron realizó muchas de sus propias escenas de riesgo, incluyendo secuencias de escalada, para las que tuvo que entrenarse específicamente. Ha logrado en una semana más de 70 millones de visualizaciones, y se ha posicionado como uno de los mejores estrenos de Netflix en lo que llevamos de año.

        A pesar de ello, a mí no me ha parecido una película demasiado original en el rollo de cacería humana, a pesar de meter un poco con calzador el tema caníbal por medio. Es entretenida, sí, pero demasiado tópica y típica, y creo que es un producto para ver, y olvidar con extremada facilidad. En definitiva, es el típico (y ya lo he dicho dos veces) producto de Netflix. Acción directa a los sentidos, adrenalina, actuaciones dentro de lo que se pide… Y poco más. De nota: Un 5.

Enviad Ayuda (2026)

 

          Tenía ganas, desde hace tiempo, de ver una película de Sam Raimi, y mira tú por donde, que me he encontrado con “Send Help”, estrenada en España con el título de “Enviad Ayuda”, que ha supuesto el regreso de Sam Raimi en este 2026 a un feudo, a un fuero, que él conoce y domina bien, que es ese donde lleva a sus personajes al límite de las situaciones creadas, con una pizca de humor negro, una pizca de suspense y algo de violencia un tanto caricaturesca…

“Enviad Ayuda” tiene un metraje de poco más de una hora y cincuenta minutos, y aunque siempre suelo decir que a toda película le sobra media hora, creo que esta la vamos a dejar con este metraje, se lo vamos a respetar… Y viene protagonizada por Rachel McAdams, que quizás te suene de películas como “Chicas Malas”, “Votos de Amor”, “Doctor Extraño”, “Medianoche en Paris”, “Noches de Juegos” … Y alguna más que no recuerdo.

Y, en el papel masculino, Dylan O'Brien, de “Amor y Monstruos” (que tenemos comentada tanto en el blog, como en el canal), “los “Cuentos Asombrosos” de 2020, “Efecto Flashback” o “Los Horrores de Caddo Lake”, por citar algunos de sus trabajos, así a bote pronto…

Estrenada en España el pasado 30 de enero de 2026, con un presupuesto de 40 millones y una recaudación mundial de 94, “Enviad Ayuda” fue rodada principalmente entre Tailandia y localizaciones australianas, incluyendo la zona de Sydney, utilizadas para recrear oficinas, el aeropuerto… Y os tengo que adelantar, que me ha gustado, o al menos, no me ha desagradado.

          ¿Qué nos vamos a encontrar en “Enviad Ayuda”? Pues así de entrada, a simple vista, parece el típico relato de supervivencia de dos supervivientes en una isla, jefe multimillonario y empleada, que han quedado atrapados en una isla desierta después de un accidente aéreo, pero la vaina va mucho más allá con un doble rizo mortal con tirabuzón, muy de la marca Raimi, que alguno no se esperará.

          Ella, Linda Liddle, es una empleada competente y subestimada, que lleva más años en la empresa que el sol, y que ha salvado a la empresa de más de un lío desde tiempos inmemoriales. Es la eterna trabajadora que ama su trabajo, la empresa, y que espera su ascenso. Es adicta a los programas de supervivencia y si la sueltas en mitad de la selva vietnamita, en una semana se ha hecho un castillo con todos los lujos posibles. Vive con un periquito, pero bien podría vivir con un gato y beber vino a raudales.

Él, Bradley Preston, es su jefe inmaduro, arrogante y heredero de la empresa. No sabe hacer la O con un canuto, y es un pijo pretencioso de cuidado.

El primer cuarto de película, más o menos, se basa en presentarnos los personajes, por donde se mueven, personalidades, y como no, el choque lógico entre ambos. Yo, como espectador, enseguida me he posicionado a favor de ella, aunque después he visto que tiene un lado oscuro que acojona bastante. Él es un manipulador emocional que no sabe sobrevivir, un aprovechado, y ella una tipa que guarda muchas cosas desde hace años, bastante resentida con todo, y con un punto de psicópata de manual.

Las alianzas entre ambos se tornan en odio, según van saliendo a flote ñordas de uno o de otra, aunque ella cruza la barrera al cargarse a la novia de Bradley que llega junto a un guía al rescate, y al confesar que podrían haberse salvado hace mucho tiempo. En primer lugar, por la presencia de un casoplón cercano con todos los lujos, y en segundo lugar porque Linda tiene la posibilidad de contactar en varias ocasiones con personas que vienen y van de la isla. Por supuesto, vamos a tener batalla final, y un final que quizás no os esperéis, pero que para mi es bastante redondo, bastante Raimi, y todo aderezado con la música de Danny Elfman… Una película entre comedia y terror caricaturesco, una tragicomedia clásica.

Como curiosidades, comentaros que el padre de Bradley es el mismísimo Bruce Campbell, que no podía faltar en un guiño al estar Sam Raimi en la dirección y en la producción. Linda rompe la cuarta pared al quedarse fijamente mirando al espectador en la última escena, que cierra la película, y en los créditos finales aparecen dibujos relacionados con la supervivencia… En “Enviad Ayuda” he visto un poquito de la película “El Naufrago”, bastante de “Misery”, y una mezcla de elementos raiminianos… Pero puedo decir que, en su conjunto, la he disfrutado bastante. Por ello, de nota le voy a dar un 6,5.