Ultimátum a la Tierra (1951)

        Cuando “Ultimátum a la Tierra” (1951) se estrenó, el mundo estaba en plena guerra fría. El planeta se dividía en dos grandes bloques políticos y económicos: EEUU y la URSS. Capitalistas y comunistas.

       Al pavor de una posible guerra nuclear, de un día para otro, se unía el miedo que había inaugurado el supuesto platillo volante de Roswell (1947). Los extraterrestres podían atacar en cualquier momento el planeta, con sus armas mortíferas, sus platillos volantes y demás miedos atávicos que albergaba el ser humano en su interior.

        Con esta cinta, dábamos paso a toda una década de películas, cómics y series recreadas en seres de otros planetas, algunos pacíficos (como es el caso que nos atañe), otros malvados, con fines belicosos más que otra cosa.

       Basado en un relato corto del escritor y guionista Harry Bates, que a la postre se metió a editor, nos encontramos con una interesante historia. Interesante por su pacifismo, en los tiempos que corrían cuando se rodó el film.

       Un platillo volante, marca Acme, aterriza en pleno Washington, después de haber dado algunas vueltas buscando el ombligo del mundo. De dicho objeto, baja un ser con pinta de astronauta, Klaatu, que desde el minuto uno comenta sus intenciones pacíficas. A cambio de su sinceridad, los militares le meten un tiro. Situación que no le gusta a su acompañante, un robot llamado Gort, que con un ojo laser, carboniza un par de viejos Sherman de la Segunda Guerra Mundial.

        Klaatu, que parece un granjero de Nueva Inglaterra recién vestido para ir al baile de un sábado noche, insiste en que quiere reunir a todos los líderes mundiales para hablarles, e informales, de los peligros de la energía nuclear en sus versiones “bomba”, Klaatu es un hippie con corbata de los de “Nuclear no, Gracias”. Pero los americanos echan balones fuera, y Klaatu decide escaparse e irse a vivir a un hostal de barrio, a leer el periódico y a oír la radio. Yo, si fuese extraterrestre, hubiera hecho lo mismo, sinceramente. Delirante la escena, en la que una clienta del hostal, insinúa que el extraterrestre puede ser comunista.

        Klaatu, llegados a este punto, intenta pasar desapercibido entre los humanos. Lo normal, pagar con diamantes una entrada de cine, preguntar por los muertos de la guerra y por presidentes también muertos, hablar de la inercia de los objetos en movimiento, resolver problemas matemáticos imposibles, etc.

        El caso es que Klaatu no tiene mucho éxito en su misión. Solo una mujer y su hijo parecen confiar en él, y algún científico. Así que Klaatu decide tomar cartas en el asunto: Hace un corte eléctrico general planetario, que afecta igualmente a coches y bicicletas, con excepciones de hospitales y aviones en vuelo.

        Esto cabrea mucho a los americanos en general, si hubieran cortado internet dos horas, Klaatu no lo cuenta. Y ponen todos los medios para parar a Klaatu y al robot Gort que tiene muy malas pulgas, infructuosamente.

       Finalmente, Klaatu, bastante cabreado, les suelta a los yanquis un discurso desde el platillo volante: No nos interesan los asuntos internos de vuestro planeta, pero como sigáis con las guerras y las pruebas nucleares, os iréis a la m…

      Los testigos del hecho se quedan estupefactos, como monos ante un periódico. No han entendido nada de nada. Ven como el platillo volante se eleva en los cielos y desaparece, y ellos se van a casa a ver La Ruleta de la Fortuna.

      Conclusión: Es una película de obligado visionado.

Almas de metal (1973)

        Pues claro. Lo reconozco. Después de tragarme de una tacada la primera temporada de Westworld, la serie, me dije: “Hay que volver a ver Almas de Metal (1973)”.

        La vi muy pequeño, no recuerdo si en el video Beta o en el VHS, y ya entonces Yul Brynner me dio pavor, impecable en su persecución, con sus ojos robóticos fijos en sus víctimas.

       Dirigida por Michael Crichton, un tipo obsesionado ya desde entonces por los parques de atracciones caros que acaban mal (o son pistoleros, o son dinosaurios), en “Almas de Metal” nos encontramos tres temáticas diferentes: Roma, Mundo Medieval y Lejano Oeste.

        Un par de amigos, Peter y John, van de vacaciones al parque, por mil pavos el día, dirigido por la empresa Delos. Ellos eligen el Lejano Oeste, que es donde les lleva un futurista hovercraft volador.

        Nada más llegar se encuentran con el pistolero robótico encarnado por Yul Brynner. Peter, que al principio no está muy convencido, acaba cogiéndole el gusanillo al colt 45, al fin y al cabo, puedes matar (y otras cosas también) sin que los androides te hagan daño… Hasta que algo sale mal, y los androides comienzan a matar a los visitantes del parque.

        Las subtramas se basan en Roma y en la Edad Media, con personajes secundarios, que realmente aportan poco (en mi opinión) a la trama principal.

        Hombre, la tecnología que vemos en la película es de hace cincuenta años, hoy nos hacen sonreír esos viejos monitores, botones y demás transistores que aparecen (a mí me recuerdan a los viejos cómics de Iron Man), y los efectos son regulares, como la vista pixelada del pistolero, pero no por ello deja de ser una película entretenida, un clásico del cine de todos los tiempos.

        P.D: A los cinco o seis años, se rodó "Mundo Futuro", la segunda parte, que pasó sin pena ni gloria. En la que los tipos de Delos volvían a las andadas con sus queridos androides, en una confabulación con tintes ya apocalípticos...

El caballo de hierro (1924)

        “El caballo de hierro” es el nombre que le daban los indios al tren, cuando lo veían atravesar sus tierras. También “El caballo de hierro” (1924) es el título de una de las películas mudas que firmó John Ford.

Con treinta años, ya había hecho más de cincuenta películas, la inmensa mayoría eran cortometrajes y mediometrajes, hoy en día casi todos perdidos.

        La Fox sería la encargada de la producción, y de pedir a Ford la dirección de un largometraje de gran presupuesto para la época, con todo un compendio de extras y escenarios en Nevada, buscando, lo dice desde el principio del film, la mayor verosimilitud posible, con armas, trajes, carruajes y locomotoras de la añorada etapa del Oeste americano.

Al fin y al cabo, estamos en los años sesenta. Lincoln ha sido asesinado, pero antes, ha conseguido la gran Unión del ferrocarril estadounidense, bajo un ambicioso proyecto que llevará las vías de una punta a otra del país, desde el Océano Atlántico hasta el Pacifico. Para ello, las dos competidoras, la Central y la Unión Pacific, deberán aunar esfuerzos, en miles de trabajadores (chinos, irlandeses e italianos) que trabajan contra-reloj.

        El mayor de los problemas no será el frío, o el calor sofocante, si no el ataque de los indios, hostiles a que el camino de hierro pase por sus vías. Desde un principio van a atacar a las cuadrillas de obreros, hostigándolos con ataques rápidos, que van a minar su moral y a retrasar el trabajo.

        Hay momentos en la película surrealistas. Por ejemplo, hay una escena en la que los indios atacan a un grupo de irlandeses que cantan mientras trabajan en las vías. Ante el ataque, los irlandeses sueltan las herramientas y responden con sus rifles al fuego indio, y posteriormente, sin ninguna baja, vuelven al trabajo rutinario.

        Igualmente, surrealistas, son los juicios en el Saloon de uno de aquellos pueblos esporádicos que crecían al compás de las vías, donde el tabernero era juez (al parecer, basado en hechos reales), con la acusada ausente…

        Es una delicia ver una película de este tipo. En primer lugar porque la magia que destilaba el cine mudo, rara vez la volvemos a disfrutar en cintas actuales, con acciones espectaculares sin ordenador ninguno de por medio, y en segundo lugar, porque a pesar de ser una película, un film de entretenimiento para el gran público (la Fox sacó diez veces más por la película que lo que había invertido, lo cual le valió a Ford que se consolidase definitivamente en Hollywood), hace las veces de documental, ya que muchos de los hechos y personajes que aparecen reflejados existieron y ocurrieron en realidad.

        Sus poco más de dos horas de duración se pasan casi volando. Historia de un país, la construcción del mismo, con sus jugadores, sus vaqueros, sus jueces y obreros, sus esperanzas e ilusiones, a través de su tren.

La tortuga roja (2016)

           Pocas veces veo alguna película de animación que no me guste. He de reconocer que son una de mis debilidades, porque con la animación aún podemos contar y sentir cosas a las que el cine convencional no llega. Los japoneses de los estudios Ghibli lo saben bien, suyos son algunas de las mejores películas que se han hecho “Mi vecino Totoro”, “Castillo ambulante” o “Porco Rosso” son ejemplo de ello, y casi nadie desconoce el mítico nombre de Hayao Miyazaki, grandes éxitos del cine en poco más de treinta años de existencia de los estudios.

           Más allá del legado de Miyazaki, ya retirado, o semiretirado, que ha dejado el listón muy alto, de vez en cuando nos llegan joyitas como “La tortuga roja” (2016), una coproducción franco-japonesa, con estética de Hergé en sus personajes (esos ojos pequeñitos negros, esas facciones angulares, casi geométricas que conozco tan bien de Tintín).

            La particularidad de esta cinta es que es muda. Aquí no hay palabras. Solo gestos, algo de música y mucho mensaje visual (ecologismo por un tubo, la naturaleza es un personaje más, soledad, esperanza y desesperanza, el gran peso de la familia…) El espectador pone el resto.

            Un pescador naufraga en una isla desierta. Solo hay un bosque de bambú y un pequeño lago de agua dulce. Los espejismos son sus acompañantes diarios. Sus intentos por salir de la isla son vanos, porque una enorme tortuga roja le impide salir de ella. Una y otra vez vuelve a naufragar en la orilla de la isla, y pronto inicia una extraña, y mágica, relación con la tortuga, que no es lo que aparenta…

             Quizás esté lejos de lo que Ghibli nos tiene acostumbrados, quizás el peso de la película se lo debamos más a su director, el holandés Michael Dudok de Wit (el responsable del delicioso corto “Padre e hija” (2000) que podéis encontrar por YouTube), pero creo que es cine de animación mayúsculo, para reflexionar y perderse un rato en él… Eso sí, no me parece dirigido a un público muy joven, o tan siquiera joven.

Ana e Historias tristes.

        La historia de los Solano López, Francisco y Gabriel, padre e hijo, es terrible. Como muchos argentinos, sufrieron la dictadura militar en los setenta. Algunos, vivieron para contarlo, otros (como ellos) se exiliaron, y otros miles, como el mítico escritor y guionista Héctor Germán Oesterheld fueron “desaparecidos” (de Oesterheld me gustaría hacer alguna mención más cuando escriba sobre su obra maestra, “El Eternauta”)

(Solano con su personaje más conocido, El Eternauta)

        Francisco (1928-2011), el padre, dibujante y colaborador durante una temporada de Oesterheld (dibujó “El Eternauta”) tuvo que huir junto a su joven hijo Gabriel a España. Gabriel se había politizado y su vida corría peligro en Argentina.

       Será en España cuando padre e hijo publican “Ana” y una serie de relatos o historias cortas bajo el título de “Historias tristes”, basados en los guiones e historias planteadas por Gabriel.

       “Ana” es, después de más de cuarenta años, una historia de culto. Una joven inquieta, estudiante, ve como su país natal, Francia, se precipita a la guerra (contra Rusia). Los motivos de dicha guerra no aparecen claros en la historia, y tampoco nos interesan mucho. Ana pierde la fe en sus referentes más próximos, los filósofos, y sobre todo en Simone de Beauvoir. Ve como el país se precipita en la falta de libertad, en toques de queda, alcanzando un estado policial prebélico insoportable.

       En un arrebato de locura pasajera, apedrea un tanque, circunstancia que la llevará a la cárcel, donde es violada. Pronto inicia una relación tormentosa, llena de culpabilidad, con el policía asesino de su amigo Pierre, y de Francia pasará a México, huyendo de una guerra que dejará devastada Francia. Ana tampoco encontrará respuestas a su vida en México, y su vida se irá convirtiendo en una espiral de preguntas sin respuestas, locura surrealista, asesinatos, cárceles… Hasta que regrese a su Francia natal, de la mano de un rico benefactor al que no quiere, a una tierra habitada por los buitres…

       Dibujada en blanco y negro, “Ana” es una historia sobre las desdichas humanas, la soledad, la desesperanza. Roza el pesimismo en cada una de sus páginas, y el trazo de Francisco Solano ayuda a ello, con una expresividad muy cuidada, donde los ojos hablan más que los propios diálogos…

       En cuanto a las “Historias tristes”, siguen un camino parecido al de “Ana”. Se nota en ellos la desesperanza de padre e hijo, que recalcan mucho el tema de la soledad, la desesperanza y el fracaso de sus personajes. Seres solitarios traicionados por una vida que carece de sentido, donde el suicidio y la locura están muy presentes. Supongo que el presente de aquellos años finales de los setenta, en un país extraño y convulso como era aquella España que intentaba agarrar el camino a la democracia, tenía peso en sus mentes, y eso se nota en el conjunto final de la obra.

Tarde para la ira

        “Tarde para la ira” (2016) es una de esas películas que te hacen creer, aún, en el cine español. Lejos de los tópicos de la Guerra Civil, que ya empieza a agradecerse alejarse de la monotemática cinematográfica de este país. Mira tú por donde, nos encontramos con un thriller que, si lo hubiera firmado un norteamericano, sería calificado de película del año, etc etc. Pedazo de cinta, monumental.

        Estamos en verano, en Madrid. Es 2007, la película comienza con un atraco a una joyería. Una huida espectacular, y donde Curro, el conductor, es arrestado. Le caen ocho años.

        Mientras tanto, Ana, la mujer de Curro sigue haciendo su vida en el bar de barrio. Hace un tiempo ha aparecido por allí Jose, un cliente que pasa a ser un habitual, y que se hace muy amigo de Ana. La cosa se complica cuando Curro sale de la cárcel. Conoce a toda la cuadrilla, pero… ¿Quién es este tal Jose?

         Estamos ante una película de venganzas, muertes, traiciones… Todos están que se salen, pero Antonio de la Torre y Luís Callejo firman una de las mejores interpretaciones del cine español de los últimos años. Raúl Arévalo, el director, parece que lleva toda la vida haciendo esto. Después de dejarme alucinado con su trabajo en “La isla mínima” lo vuelve a repetir, pero en la dirección. Trae fuerza, dinamismo, tensión justa, la violencia de la calle, una historia mayúscula… Una de esas historias que es mitad hermanos Coen y mitad Tarantino.

        ¿Qué si la recomiendo?, Creo que está claro, si te gusta el cine negro y del bueno, no puedes dejar pasar esta “Tarde para la ira”.

Inseparables (2016)

         Los dos o tres lectores (decir tres quizás sea excesiva esperanza), fieles, que aún quedáis por el blog, ya sabéis a estas alturas, que yo no tengo mucha idea de cine. Hace tiempo llegué a esta conclusión, al comprobar que mis opiniones, distaban miles de kilómetros de la crítica cinematográfica especializada.

        Esta misma semana lo he vuelto a corroborar cuando he visto la argentina “Inseparables” (2016), remake de la francesa “Intocable” (2011). Puedo llegar a entender que la gente, la productora de turno, el guionista harto de café o el director falto de ideas, hagan un remake de una película de hace cincuenta años. Ahí tenéis en camino segundas partes, o remakes, o vete a saber de “Blade Runner” o “La naranja mecánica” que al parecer vienen en camino... Atenea, la de glaucos ojos, nos pille confesados.

        Cinco, seis o siete años… Me parecen poco para hacer un remake de “Intocable”, película que he visto unas cuarenta veces (no exagero absolutamente nada), y que he diseccionado con cada uno de los grupos de alumnos que he tenido desde que se estrenó hasta hoy (2017), desde todos los puntos de vista.

        Pero vamos a ir al grano, sin entrar en mayores comparaciones. “Inseparables” hubiera estado pasable (“bien” sería exagerar), aunque sin tirar cohetes, si no hubiera existido la versión francesa. La credibilidad de una se pierde en las situaciones y diálogos forzados de la otra. La interpretación, magistral a mi parecer, de la francesa, se extravía en la presentación forzosa de situaciones de la otra. El “feeling” de Omar Sy y François Cluzet no se siente con Óscar Martínez y Rodrigo de la Serna, demasiado forzado, demasiado increíble y alejado de la realidad, no pegan ni con super-glue. La copia de planos, de escenas, una por una, hace que la película enganche menos que un tranvía. De hecho, hay escenas inverosímiles, como la del cumpleaños bachatero que se marcan con el forzamiento del que está siendo apuntado por un fusil de asalto… La música no ayuda tampoco en “Inseparables”, lejos de la encantadora banda sonora de Ludovico Einaudi… Ganas de estropear una buena historia…

        En fin, ahí queda esta “Inseparables”, para el que se atreva, yo la vi venir, a fin de cuentas, como os digo al principio… Yo no tengo ni pajolera idea de cine.

Historia Social del Cómic. Terenci Moix

        Terenci Moix (1942-2003) es un clásico de la literatura española de la segunda mitad del Siglo XX. Ciertamente, pocos relacionarían esta obra que os presento “Historia social del cómic”, que originariamente se tituló “Los cómics, arte para el consumo y formas pop” (1968) con él y su obra.

         Pero es así, Terenci Moix fue un maestro conocedor del mundillo del cómic. Han pasado casi sesenta años de la publicación de esta “rara avis”, interesantísima en todos los aspectos, y sigue pareciéndome una obra imprescindible para todos los amantes de lo que conocemos como noveno arte.

         El mundo del cómic ha evolucionado mucho en estos sesenta años, desde luego. Ya Moix afirmaba que España estaba en pañales en este sector, pero su estudio no pierde ni un ápice de interés al analizar con la óptica de la época, una España que aún aguantaba la censura franquista, la evolución y desarrollo del cómic, tanto norteamericano, como español, desde prácticamente sus orígenes.

         La novela gráfica también tiene su apartado, así como las influencias cinematográficas, ideológicas y literarias en el mundo de las viñetas, pasando por las historietas clásicas de cuatro escenas y deteniéndose en personajes relevantes como Li´l Abner (al que hace bastantes referencias), Dick Tracy, Batman o Flash Gordon. Inevitable no sonreírse con la alusiones a la Guerra Fría.

         El apartado patrio no deja atrás a Las Hermanas Gilda, Doña Urraca, Zipi y Zape o Carpanta. Un ensayo muy ameno, enriquecedor y recomendable.

Westworld. La serie.

        Hace tiempo que no me tragaba una serie de una tacada, pero eso es precisamente lo que he hecho con esta “Westworld”, basada en la mítica película de Michael Crichton de 1973.

        “Westworld” es un parque futurista, con una temática basada en el Lejano Oeste americano. En dicho parque unos robots, unos androides perfectos, los anfitriones, viven en un continuo bucle. Su misión es ser matados (o follados) por los huéspedes humanos que visitan el parque.

 Los humanos llegan al parque de vacaciones. Asumen un rol de los muchos que los diferentes anfitriones les ofrecen: Cazar a un bandido, encontrar un tesoro, atracar un banco… En este ambiente pueden liberar todos sus instintos, normalmente los más bajos: Matar y trincar. 

Después vuelven a sus vidas, como si tal cosa.

          Para los anfitriones, todo es un bucle: Los matan, los reparan, los ponen en servicio y… Los vuelven a matar. De vez en cuando, se les cambia la personalidad y se les da otro rol en el parque. Lo malo comienza cuando algunos anfitriones comienzan a recordar “vidas pasadas”, a pesar de los cientos de reseteos continuos a los que han sido sometidos…

          Con un buen puñado de premios a las espaldas (sobre todo para Evan Rachel Wood), buena crítica por parte de los medios y creo que buena acogida por parte del público en general, Westworld se presenta como una de las mejores series de 2016. La primera temporada consta de 10 episodios, y HBO ya ha confirmado su vuelta en 2018 con otros 10 que conformarán la segunda temporada.

        La presencia de grandes del cine como Ed Harris y Anthony Hopkins ayuda, en mi opinión, al interés por la serie. La recomiendo.

La ruta del tabaco. John Ford

        He de reconocer que antes de ver “La ruta del tabaco” (1941), de John Ford, tuve que investigar un poco. Era la única del recopilatorio que tengo del director norteamericano, que no me sonaba absolutamente de nada.

        En algunas webs leí que estaba considerada una “obra menor” de Ford, de la que no se llegó a sentir orgulloso ni el guionista, Nunnally Johnson, que era el mismo que había adaptado “Las uvas de la ira”, e igualmente tanto Ford como su señora no la tenían entre sus favoritas, de hecho, la mujer de Ford llegó a decir varias veces que era la peor película de su marido.

        La verdad es que yo no diría tanto. La película está basada en una obra teatral, que al parecer, fue un exitazo en todos los teatros americanos durante La Gran Depresión, basada a su vez en una novela. La novela, al parecer, está rebosante de escenas más sensuales, y sexuales, que la película, así que habrá que ir buscándola para certificar que es cierto…

        “La ruta del tabaco” centra la historia en Georgia, cerca de Augusta. La ruta del tabaco era una carretera de 24 kilómetros, otrora una verdadera ruta de la plata, que venida a menos, lo único que tiene a su paso son casa viejas, tierras improductivas, polvo, pulgas y pobreza.

        Jeester Lester (Charley Grapewin, el viejo tío Henry de “El mago de Oz”), un viejo granjero que pasa los sesenta, y su esposa Ada, ven pasar el tiempo, muertos de hambre, en su casa destartalada de madera, y con la sombra del desahucio planeándoles. Con ellos viven dos de sus 16 o 17 hijos (ellos no recuerdan con precisión cuantos eran, y yo tampoco). “El algún lugar debo tener nietos”, reflexiona la pobre Ada, mujer sensata, pero venida a menos con los años. Sus hijos son Dude, un colérico joven al que solo le interesan las bocinas de los coches, que se tira toda la cinta dando voces y en actitud bastante agresiva, salvo cuando canta algún salmo. Y su hermana Ellie May (la requetebella Gene Tierney), que aunque sucia y en harapos, derrocha una belleza es-pec-ta-cu-lar. De hecho, tiene una escena en la que se arrastra por el suelo, pidiendo un “nabo” para comer (tienen todos más hambre que un perro chico) que sinceramente me ha dejado con el rostro torcido.

        La película roza algunas cositas en común con “Las uvas de la ira”: La pobreza del campesinado, la desesperación, el hambre, la soledad, los banqueros que se quedan con las tierras improductivas (pero que han pertenecido a generaciones enteras), pero… En este caso, Ford se toma el drama a comedia. “La ruta del tabaco” no deja de ser, al fin y al cabo, una comedia. Lo notamos en la música festiva-country de David Buttolph, muy recurrente en los diferentes gags que la familia Lester va presentando en su peculiar historia de supervivencia.

        ¿Un Ford menor?, pues a mí no me lo ha parecido. Diferente sí, claro, pero no por ello menos. De hecho, sigue existiendo, latente, la crítica social de Ford en la cinta, está muy presente, bajo tanta música y golpes disparatados. Y, claro, después de “Las uvas de la ira”, y “¡Qué verde era mi valle!”, podría considerarse un film de transición, pero sin que desmerezca ni una pizca en su interés cinematográfico.

El himno del corazón.

        Jun Naruse es una niña que habla por los codos, es soñadora y risueña. Sueña que un hotel, de la ciudad donde vive, es un castillo y que ella bailará alguna vez allí, junto a su príncipe azul.

        Un día ve a su padre salir en compañía de una señorita, que no es precisamente su madre, de dicho hotel. La revelación de aquella información le costará a su padre el divorcio, y a ella, perder la voz, de mano de un yokai (un espíritu de la mitología japonesa) en forma de huevo, que la dejará muda.

        En la adolescencia, todos creen que es muda. Hasta que un día, un profesor de música le manda hacer un trabajo musical. Naruse siente dolor de estómago cada vez que intenta hablar, así que se tiene que comunicar con notas o por correos electrónicos. Pero cantar… Cantar es otra cosa. Cantando puede sentir que no le duele la tripa y puede romper ese hechizo que la mantiene muda.

        La música va de la mano de los sentimientos, la historia que se cuenta aquí es un verdadero drama, Naruse es una chica que sufre todos los días de su vida, hasta que la música llega a ella. Es una película que va más bien dirigida a un público más joven que yo, al menos eso me parece, pero no deja de ser una película interesante sobre el poder que tiene la música… Sobre los corazones. Estos japoneses saben tocar la fibra sensible, es un Anime muy recomendable.